Програмата белешки за концерти на Симфонискиот на кањони

https://lasr.cs.ucla.edu/geoff/prognotes/

Не сите програмата белешки за концерти на Симфонискиот на кањони се достапни онлајн. Сепак, се предвидени најмногу забелешки во изминатите неколку години тука. Покрај тоа, белешки за претстојните концерти ќе бидат објавени штом тие биле напишани, што е обично 2-3 недели пред самиот концерт.

Лицата кои сакаат да се репродуцира овие белешки, во целина или во делови, за своите оркестарски програми обично ќе биде доделена дозвола; молам контактирајте ме преку e-mail за повеќе информации.

Јохан Кристијан Бах, 1735-1782. Концерт во Ц за виола и струна. Нотиран за  оркестар на струни со соло виола.

Јохан Кристијан Бах, најмладиот син на Јохан Себастијан (човекот кој денес се смета за едниот и единствен “Бах”), е најверојатно најуспешн од децата на Бах. Во текот на неговиот живот, тој бил познат на Европскиот континент, а не неговиот татко. Талентиран како и остатокот од неговото семејство, тој пишувал во скоро секаква музичка форма за времетраењето на неговата кариера.

При крајот на неговиот живот. Ј.К. Бах станал незадоволен со концертската хала во Лондон каде ја презентирал неговата работа, па се приклучил на Карл Фридрих Абел (кој свирел на виола да гамба, предок на денешното чело) во потрага да најде ново место. После долго барање, тие нашле и купиле имот на Хановер Сквер. Одлуката се покажала како неуспешна, бидејки по постигнувањето на првичен успех, броевите на бокс-офисот доживеале остар пад, и неуспехот на халата значително допринел за финансискиот пад кој го карактеризирал крајот на животот на Бах.

Додека бил во Хановер Сквер, Бах напишал бројни дела за изведби во халата. Една од овие дела беше чело (или гамба) концерт во Ц-мол,  кој најверојатно имал премиера од страна на Абел. Бидејки виолата е тонирана точно една октава повисоко од челото, лесно е да се изведе концертот на помал инструмент, а изборот на композиторот на ниска интонација е соодветен за истакнување на најбогатите делови од звукот на виолата. Цветниот декор на надворешните движења, заедно со текстовното жалење и бавното движење служат како одлични примери не само за Рококо стилот, туку и за занемарувањето на композиторскиот талент на Бах.

© 1997, Геоф Куенинг

ПОСЕБНА БЕЛЕШКА ЗА ДОСТАПНОСТА: Поради природата на оваа работа, често добивам барања од диригенти и виолинисти кои се обидуваат да лоцираат делови за изведба. Од почетокот на 2007, известен сум дека Буси и Хаукс библиотеката за изнајмување може да овозможи делови. Благодарение до Ден ларсон од градот Понка, ОК, за оваа информација.

Јохан Себастијан Бах, 1685-1750. Воздух на Г струна, од Суит во Д, B.W.V. 1068. Најверојатно компонирана помежу 1722-23. Нотирана за прва и втора виолина, виола и континуо (континуиран бас).

Во 1717, на Бах му бил понуден термин во судот на Принц Леополд од Анхалт-Котен (денешен Котен), кој е лоциран 30 милји северозападно од Лајпциг. До тогаш, познатиот оргулист имал работа во пошта во Виемар, и можеме да претпоставиме дека бил незадоволен таму, бидејки ја прифатил новата позиција и покрај тоа што неговиот нов работодавец не можел да му понуди добри оргули, хор, или пак театар. За да ги зголеми потешкотиите, Војводата Вилхем Август, неговиот поранешен газда, го затворил скоро цел месец поради начинот на кој дал отказ!

Промената на работа предизвикала и промена во фокусот, со тоа што Бах се свртел од оргули и црковна музика, кон работа на дела за мала група музичари, која повеќе би можела да го задоволи принцот, кој свирел виола да гамба (предок на денешното чело) во негова мала  музичка група.

Нема точни податоци за композицијата на четрите Оркестрални Суита (или “Увертирачи”, како што ги нарекол Бах), и различни писатели ги датираат од 1722, до 1731, но најголемиот број на извори се согласуваат на пораната дата. Во било кој случај, тие претставуваат еден вид на експеримент од страна на Бах, кој можеби сакал да си ја проба среќата во Француски стил во кој пионер бил Лули. Третиот од овие, нумериран 1068 во стандардниот каталог на делата на Бах, е најпопуларното и најверојатно најмаестралното дело.

Таканаречената “Воздух на Г струна” е краткото (36 мерни единици) секундарно движење на овој суит. Иако целосниот суит вклучува труби, обоа и тимпани, како и струни и континуо (бас линија вообичаено свирена на чембало и чело), ова движење е сведено на само струни и континуо.

Насловот е несоодветен во оргиналната поставеност на делото, поради фактот што била измислена од страна на виолинист за да ја идентификува неговата соло транскрипција. Но, чудните делови на насловот не се рефлектирале на музиката, која е една од најзадоволнителните ситници кои еден слушач би можел да ги посака.

© 1996, Геоф Куенинг

Ј.С. Бах, 1685-1750. Токата и Фуга во Д-мол за оргули, BWV 565, наменети за оркестар од страна на Леополд Стоковски, 1882-1977. Наменето за 4 флејти, 2-3 обоа, Англиска хорна, 2-3 кларинети, бас кларинет, 2-3 фаготи, контрафагот, 4-6 хорни, 3 труби, 3-4 тромбони, туба, тимпани, челеста, 2 харфи, и струна.

Во 1708, 23 годишниот Јохан Себастијан Бах дојде во Веимар  за 7-годишен мандат како ___ оргулист, запоќнувајќи го еден од неговите најпродуктивни периоди. Спротивно на стигмата, соодветна слика наметната од неговите подоцнежни години, младиот музичар бил огнен, често композирајќи дива музика за да го истакне својот значителен тален на оргулскиот конзулат. Една од неговите најпознати дела од овој период е Токата и Фуга во Д-мол, страсно, речиси манијакално дело кое повеќе наликува на домашна вечер од хорор филмовите (каде што често била употребувана), отколку на достоинствена исповед на оргули под црковно закровје.

Во 1902, речиси два века откако Бах дојде во Веимар, уште еден енергичен млад маж ја прифати позицијата како оргулист. Овојпат, тоа беше Леополд Стоковски, едвај 20 годишен, кој ќе го разбури Лондон со неговото страсно свирење на оргули во св. Џејмс на Пикадили плоштадот. Згодниот и популарен младич толку ја возбудуваше публиката со неговите изведби на делата на Бах, што еден слушач изјави дека се чувствува “растргнато” од неговата интерпретација на Токата и Фуга во Д-мол.

Само неколку години подоцна, Стоковски одлучил да се заврти кон диригирање, и по соочување со неколку одбивања, добил позиција во Синсинати, така лансирајќи ја една од најславните кариери на 20тиот век. Како што се вклопувал во новата улога, тој почнал да изработува оркестрални транскрипции од работи за други инструменти. Неизбежно беше дека треба да се врати на неговото најомилено дело, Токата и Фуга во Д-мол. Точниот датум на композицијата е непознат, но знаеме дека е снимен со оркестарот Филаделфија во 1927.  Композицијата стана фаворит, и поради инсистирањето на Стоковски да се вклучи како воведно парче во филмот Фантасиа, што ја направи толку позната и денес.

Зборот “токата” (потекло од италијанскиот збор toccare,”да се допира”) опишува композиција која е наменета за да се истакнат клавијатурските способности на изведувачот. Баховата инспирација да комбинира токата со пратечка фуга, тесно структуирана форма во која одредена тема е развиена во различни клучеви за да се хармонизира самата со себе (како рундите кои ги пеевме во основно училиште, но далеку покомплексни), Во моменталната работа, темата на фугата е базирана на првите неколку ноти од токатата, отварајќи се од виолините и постепено придвижувајќи се низ оркестарот пред токатата да се врати за гранзиозен завршеток.

© 1995, Геоф Куенинг

Самуел Барбер, 1910-1981. Ноксвил, летото 1915 година, Оп. 24 (Комора верзија). Завршено 4 април 1947 година, ќе се ревидира 1949 година, првиот настап 1 април 1950 година, во Думбартон Oaks во Вашингтон постигна гол за флејта (удвојување пиколо), обоа (удвојување на англиски рог), кларинет, фагот, два рога, труба, по желба триаголник, харфа, соло сопран, и жици.

Во 1935 година, на авторот Џејмс Agee, откако стана заинтересирани за процесот на импровизација, одлучи да експериментирате со сличен пристап за пишување, во која повеќе нацрти и внимателно ревизии ќе биде напуштена во корист на пристап повеќе течност. “ Четката нејасно ” за можна роман, тој произведува носталгичен спомен на неговото рано детство, земајќи само 90 минути за да заврши краток текст кој тој подоцна ревидирани само малку. “ Постои малку, ако ништо свесно измислен во тоа, тоа е строго автобиографски, ”, коментира авторот во 1948 година ритмичка и описен дел беше објавен во партизанската Reader, во 1938 година.

Речиси една деценија подоцна, Барбер сретнал Ноксвил во антологија, и почна да работи на оркестарски амбиент. Во исто време, пејачот Елинор Steber му е наложено да се напише парче за глас и оркестар, и Серж Koussevitzky, диригент на Бостонскиот симфониски оркестар, изразија интерес за голем дел за глас и оркестар. Сите овие фактори се собраа за да се произведе многу успешна премиера во Бостон во 1948 година.

За една година по премиерата, Барбер одлучи дека помал оркестрација ќе биде корисно, и го намали резултатот со отстранување на екстра дувачки инструменти, намалувањето на тимпани, и добиените со додавање на втората рог. Меѓутоа, речиси сите на музиката претходно доделени на испуштени инструменти се прераспоредени на останатите играчи, така што разликата меѓу двете верзии е еден од текстура, не содржина.

Бербер избра да се постави само последната третина на текст Agee, почнувајќи во средината на реченицата. На врвот на резултат, по посветеноста на татко берберот, се појавуваат зборовите:

Ние зборуваме сега за летни вечери во Knoxville Тенеси, во времето кога живеев таму толку успешно маскирани мене како дете.

музика Барбер е мирно, поетска и примамлив. Со врвен економија, се сеќава чувство на пет години, лежејќи на тревникот во Јужна летните горештини и лебдат отиде да спие како што ѕвездите и штурците почнат да излезе, возрасните се споделат приказни во тивки гласови, и се населува соседството долу на крајот на еден долг апатичен ден.

© 1997, Геоф Куенинг

Ејми М. (г-ѓа H.H.A.) Плажа, 1867-1944. Симфонија ( “ галски ”) во Е-мол, Оп. 32. Завршено 1896 година, првиот настап 30 октомври, 1896 година, во Бостон. Постигна гол за 2 флејти, Пиколо, 2 oboes, англиски рог, 2 кларинети, бас кларинет, 2 bassoons, 4 рогови, 2 труби, 2 тромбони, бас тромбон, туба, триаголник, тимпани, и жици.

Во ера кога жените добиле малку почит и американски композитори практично ништо, Ејми плажа стоеше надвор како единствениот успешен женски американскиот композитор, позиција која ја одржа за повеќе од половина век. Како и со многу од нејзините машки Европската претходници, таа се прикажува нејзиниот музички талент рано, усогласување приспивни песни на нејзината мајка, на возраст од две и notating птица песни на хартија персонал уште како дете. Еден од нејзините повеќе интригантни карактеристики е нејзината способност да се дружат бои со музика: таа често ќе побара нејзината мајка да се игра “ виолетова ” или ” зелена ” песна.

Почнувајќи студии по пијано на шест, Ејми се развива своите способности брзо, и се објавува својот деби на 16, вршење на музика од Moscheles и Шопен (во придружба на неименуван “ големата оркестар “,” во согласност со програмата). Овој и следните настапи доби постојано добри известувања, иако рецензентите на времето често биле во можност да се избегне потценувачки коментари за нејзиниот пол. Таа изгледаше наменета за славни музичка кариера кога во 18 омажила д-р Хенри Харис Обри Брег, познат лекар и општеството човек 25 години постар од неа.

Бракот предизвика некои да укажуваат на тоа дека на лекар не ќе им овозможи на музика одлуки на неговата сопруга да продолжи (шпекулација која заведени дури и некои современи писатели), но тоа не беше случај. Всушност, д-р плажа охрабруваат таленти на неговата сопруга, до степен да имаат врвен студио изградена во нивниот дом за нејзината употреба во практикувањето и компонирањето. Новиот г-ѓа плажа веднаш почна да работи на големи миса во Е станот, по што следеше по неколку години од страна на присутните работа. Во краток ред, таа е постигнување на голем успех со композиции неа. (Вреди да се напомене дека, иако таа доби одлична обука на тастатура, формалното образование Ејми Чејни во составот беше минимално, веројатно поради тоа што не се смета за соодветна тема за една млада жена. Тоа е знак на нејзиниот талент што таа беше во можност за надминување на пропуст да се произведуваат голем каталог на извонредни дела.)

Во 1893 година, Антонин Дворжак, кој беше во посета на САД во тоа време, посочи дека американските композитори треба да го следат примерот го постави во својот нов свет симфонија од донесување на “ мајчин јазик ” теми. За него, тоа значи на афро-американската музика најде на плантажите ја посетил. Но плажа одговори со писмо до Бостон Хералд:

Ние од Северна треба да биде далеку поголема веројатност да биде под влијание на стариот англиски, шкотски или ирски песни, наследени со нашата литература од нашите предци.
Точно на нејзините зборови, кога дојде време да компонира симфонија, плажа користи првенствено ирски теми, титлувањето на работа “ галски ” за да го изрази своето наследство. Тоа веднаш беше добро примен, и оттогаш се врши многу пати не само во Америка, туку во целиот свет. Отворање со infectiously жив мелодија и продолжува со незаборавен дует трети движење за виолина и виолончело, ќе заврши во правилно воодушевувачки финале достојни на најдобрите композитори машки, најдобар Европејци и едноставно најдобар дека човештвото има да понуди.

© 1995, Геоф Куенинг

Лудвиг ван Бетовен, 1770-1827. Големиот увертира во C-мајор, “ Namensfeier ” ( ” име на денот ”), Оп. 115. Завршено 1814 година, првиот настап Декември 25, 1815, во Виена. Постигна гол за 2 секој флејти, oboes, кларинети и bassoons, 4 рогови, 2 труби, тимпани, и жици.

Кога Бетовен беше еден млад човек, еден од најценетите писатели во Германија беше Фридрих Шилер, драматург, поет и филозоф. Бетовен почитуван делата на Шилер, и уште во 1793 година тој почнал да размислува за поставување омилена песна, Еден умре Freude (подобро познат како “ Ода на радоста ”), музика. Тоа ќе бидат потребни речиси дваесет години за него да се постапи по идеја, а уште една деценија за да дојде до реализација на познатиот последните движење на Деветтата симфонија.

Кога Бетовен конечно седна да работат на Одата на радоста, тој се уште не беше замислен радикално оддалечување на додавање на хорската секција на симфонија. Наместо тоа, тој планира поедноставен пристап, работа концерт составен од неколку движења завршува со песна. Првиот скици долж овие линии се појави во 1811 година.

Делото не напредува особено брзо, и како што се развива. Бетовен очигледно сфати дека Ода на Шилер е достоен за позначаен дел од релативно едноставен состав тој ова го планирал. На крајот тој се одделени поетскиот поставка од други теми и претворена во вториот увертира. Како што се случува, тој заврши на резултатот, тоа етикетирање “ во првиот гроздобер месец (октомври) 1814 година, во вечерните часови, на именденот [роденден] на нашата Кајзер. “” Тоа е показател дека има произведено увертира прекар.

Увертирата е навистина “ Гранд “,” не само во смисла на се релативно долги парче, но, исто така, со тоа што е многу тешки и сложени од Моцарт и Росини оперски увертира. Во него може да се слушне на целосно зрели Бетовен, иноватор, кој повеќе не избегнуваше од продолжување на форма или предизвик публика, но, исто така, еден човек е доволно мудар да се стават настрана еден дел од својата работа, кога тоа е потребно понатамошен развој, и покрај тоа што ќе се речиси десет години за да се произведе нешто дека ќе ја разгледа достоен највисок премин за неговата кариера.

© 1999, Геоф Куенинг

Лудвиг ван Бетовен, 1770-1827. Симфонија бр 1 во C, Оп. 21. Првиот настап 2 април, 1800 година, во Виена. Постигна гол за 2 флејти, 2 oboes, 2 кларинети, 2 bassoons, 2 рогови, 2 труби, тимпани, и жици.

Кон крајот на 1790 година е Бетовен, откако почна да се постигне признавање како ветувачки композитор, откриени за прв пат дека тој почнува да губи слухот, иако тој се уште беше млад човек. Во раните фази, неговата попреченост беше само мала непријатност дека не влијае значително на неговото дело. По почетокот на концентрација на помали форми, сега почнаа да се обиде повеќе тешки работи. Неговиот прв напори беа две пијано концерти, со цел да ја покажат својот талент на тастатурата, но откако тој се сврте кон симфонија. Тој ја изгуби малку време во развојот на свој уникатен стил: најраните цртежи на Првата симфонија се појави во 1795 година, а тоа беше само 8 години подоцна дека тој револуција музика со појавата на Трета симфонија, подобро познат како Ероика.

Иако првиот очигледно е производ на еден млад човек да експериментира во непознат медиум, тоа сепак содржи јасни знаци на она што Бетовен наскоро ќе стане. Првиот впечаток на слушателот може да биде од Моцарт, бидејќи постои концентрација на мелодични пронајдокот (особено во четвртиот движење), кој е сличен на стилот на кој композитор. Сепак, втора расправа открива непогрешлив елементи што го направија Бетовен единствена: енергична пристап кој би збуниле постарите композитор, поцврсти оркестрација за производство на повеќе моќни звучен ефект, и употреба на хармонија, како и мелодија да го изразат идеи.

Работата беше добро примен од страна на критичарите, од кои еден се допадна “ уметност, новина, и богатство на идеи ”, дури и кога се утврди дека имало “ премногу користење на дувачки инструменти. “” Воопшто не го сомневаат дека овој стил беше само првиот експеримент на генијот кој ќе влезе во една сосема нова музичко училиште, романтизмот на 19-от век, кој и денес ни воодушеви со својата длабочина и емоционална комплексност.

© 1997, Геоф Куенинг

Лудвиг ван Бетовен, 1770-1827. Симфонијата број 2 во D, Оп. 36. Завршено 1802 година, првиот настап 5 април, 1803 година, во Виена. Постигна гол за 2 секој флејти, oboes, кларинети, bassoons, рогови, и труби, тимпани, и жици.

Со својата триесетта година, Бетовен беше добро основан во Виена како композитор, учител, и пијанист. Но, проблеми се наѕираат на хоризонтот во форма на зголемување на неговата глувост, и кога се повторува посети на бројот на доктори не произведува лек, тој почна да се сфати дека тој ќе го изгубат една смисла, која беше неопходна за секој музичар.

Во текот на летото 1802 тој влезе во длабока депресија, а потоа тоа беше дека тој го напишал познатиот “ Heiligenstadt Завет, ”, во која за прв пат призна својата болка и теророт кој го држеше за него. Во исто време, сепак, тој работеше далеку на многу композиции, вклучувајќи го и новиот симфонија.

Како и во неговата прва симфонија на две години порано, Бетовен беше релативно претпазливи во вториот, останатите во близина на стандарден сет од Хајдн (учител) и Моцарт. Буквално не постои знак на промените кои наскоро ќе се отвори патот за неограничена на музичките светот на диви коса младите гениј, ниту пак постои навестување на неговите лични проблеми: мелодиите се сончево и безгрижно како би можело да се побара. Премиерата не беше толку успешна како и дека на првиот (еден писател наречен финале “ одбивна чудовиште, ранет змеј ”), но се разбира, ваквите реакции не го спречи евентуалното прифаќање на работа. Всушност, на Втората стана толку добро мислев на тоа години подоцна, кога Бетовен заврши неговата масивна Деветтата симфонија, добро што значи аматерски сугерираше дека таа работа може да се подобри ако нејзината финале беа заменети со финалниот движење на Втората!

© 1998, Геоф Куенинг

Лудвиг ван Бетовен, 1770-1827. Симфонија бр.3 во Е рамен, Op.55, “ Ероика “. Во 1798 година, Генералното Бернадоте, францускиот амбасадор во Австрија, предложи да Бетовен дека тој може да напишете симфонија во чест на Наполеон. Иако денес мислиме на Наполеон како освојувач, тој почнал својата кариера како поборник за слободата на Франција и веќе изгради репутација како голем лидер, така што не е изненадувачки дека Бетовен е договорено. Идејата на симфонијата мина до летото 1803 година, но работата потоа продолжил брзо.

Во пролетта на 1804 година, пријател на Бетовен Фердинанд Рис видов копија од резултатот на насловната страница означен “ Бонапарта ” на врвот (и, интересно, “ Луиџи ” Ван Бетовен на дното). Но, на 18 мај, 1804 година, Наполеон самиот крунисан царот, а по сослушување на вести Бетовен раскина на насловната страница на половина, вреска дека Наполеон би “ стане поголем тиранин од било ” – пророчки зборови, навистина. Кога симфонија конечно беше објавен, беше наведена како “ Херојски симфонија, составен за да го прослават споменот на еден голем човек. ”

Покрај познатата приказна за својот rededication, сепак, “ Ероика ” е важно, бидејќи тоа беше првиот вистински романтични состав на Бетовен. Иако неговите рани дела покажа удари на она што требаше да дојде, тие следат моделот на Моцарт и Хајдн. Третата симфонија, од друга страна, се отвора со две неверојатни акорди, кој го објави на светот доаѓањето на нови таленти, еден силен личност, човек никогаш не се заборава, а остатокот на парче никогаш не успева да живеат и до тоа ветување.

© 1999, Геоф Куенинг

Лудвиг ван Бетовен, 1770-1827. Симфонија бр.5 во C, Op.67. Завршено 1807 година, првиот настап 22 декември 1808 година, во Виена. Постигна гол за 2 флејти, Пиколо, 2 oboes, 2 кларинети, 2 bassoons, contrabassoon, 2 рогови, 2 труби, 3 тромбони, тимпани, и жици.

Нема други четири белешки во сите на класичната музика се толку познат како изјава на отворањето на Бетовеновата Петта симфонија-и и тие треба да биде, тие веднаш го привлече вниманието на публиката, никогаш нема да го ослободи до бурни крајот на финалето 30 минути подоцна. Доаѓа само неколку години по подеднакво апсење на отворањето на Ероика Петтиот остави публиката без сомневам воопшто дека Бетовен беше револуционер кој засекогаш ќе го промени музичката сцена.

Сепак, едноставноста, инвентивност и елеганцијата на темата се измамен. На почетокот на симфонијата ја следи природно и неизбежно, но една студија на познати sketchbooks Бетовен открива колку напорно работел за да се постигне саканиот неговиот резултат. Тој имал “ краток краток краток долго “” ритам веднаш, но наместо да ја шокира своите слушатели, а потоа им момент да се опорави, тој гулаб право во комплициран даде-и-да помеѓу различни инструменти. Исто така, немаше ритмичка разновидност: секоја мерка се одржа уште една копија од истите четири белешки. Тоа беше само по многуте обиди и грешки што тој конечно дојде до решение кое почнува во вклопува и почнува, ни даваат време да го апсорбираат моќта на еден настап на темата пред почетокот на следната ќе биде фрлен во нас, постепено градење сè додека не си се најдат речиси несвесно се целосно вклучени во комплексни промени кои го прават симфонија толку возбудлива.
Петтата симфонија првично беше наменет да веднаш по Ероика, но инспирација интервенираше за производство на четвртото место. Првиот настап беше одложено за да се овозможи завршување на Шестата симфонија, Апостолски, и двајцата беа премиера на истата вечер. случај на маратонот беа и аријата Ах! perfido, најголемиот дел од масата во C, на четвртиот концерт за пијано, а Фантазија за пијано, а премиерата на хорската фантазија. Од Бетовен беше на висина на својата слава, публиката мора да се многу среќни да слушнат првите три настапи во истата концерт, но тоа е чудно што изведувачите беа во можност да преживее толку долго тешко искушение. Ние сме веројатно среќни што современите барања се намалени, бидејќи мора да се сомнева дека оригиналниот настан беше ишаран со грешки направени од страна исцрпени инструменталисти, но во исто време, ние исто така мора да се смета себе си благословен дека дури и по речиси 200 години, изум на Бетовен звучи како свежо како што се случи во текот на тој одамна инаугурацијата перформанси.

© 2000, Геоф Куенинг

Лудвиг ван Бетовен, 1770-1827. Симфонија бр 7 во голема, Оп. 92. Завршено во 1812 година, првиот настап 8 Декември 1813 година, во Виена. Постигна гол за 2 секој флејти, oboes, кларинети, bassoons, рогови, и труби, тимпани, и жици.

Пред повеќе од две илјади години, еден остров во близина на устието на реката Рајна била окупирана од страна на народот познат и како Batavi или Batavians. Името на нивната населба, “ Betouwe, ”, произлегува од “ залог, ” или репка, и “ ouwe, ”, кој се преведува како ливада или пасиште. Потсетувајќи дека “ w “во северна европски јазици се изговара како на англиски ” V ”, еден може да се трага различни правопис низ вековите, вклучувајќи Betuwe, Betho, Beethove, а секако и Бетовен. предци на композиторот талкаа низ делови од она што сега се Холандија, Белгија и Германија, на крајот се насели во Бон, кои ќе станат родното место на најголемите музичари еден во историјата.

Првиот скици на Бетовен за она што ќе стане Седмата симфонија се појави во една книга, која датира од 1809 година (иако некои теми може да се проследи наназад до еден збир варијации објавен во 1783 година, кога повнимателен тинејџер беше веќе работат како чембалист и органист). Втората деценија на 19 век беше турбулентен, нарушен со Наполеон кампањи и средните војни што ги охрабруваат. Во еден момент Бетовен беше принуден да се повлече во подрумот на неговиот брат и ја покрива главата со перници за да избега од болни бучава предизвикана од страна на француската артилерија свиткана на освојување на Виена, каде што сега го направи својот дом. Нарушувања јасно имаа ефект врз производството, зашто се загледувам во каталог покажува дека тој произведува извонредно неколку дела меѓу 1810 и 1814 година во споредба со околните години.

Сепак, Бетовен продолжи да работи најдобро што може, генерирање на она што сметаат некои од најдобрите неговиот симфонија, седмиот. Рихард Вагнер го нарече “ апотеоза на танцот “,” и еден од најпознатите и една од најпознатите остроумен коментари некогаш направени за едно парче од музиката.

И набљудување уште Вагнер не е целата вистина, за симфониски не толку многу го прослави на танцот како долови суштината на денс ритам. Со исклучок на еден релативно краток вовед која ни lulls во смиреноста, првото движење има ритам возење потсетува на прославата селанец. Дури и побавно втората движење (што е да се одигра во еден Allegretto или “ малку брзо “, темпо, наместо на повеќе заеднички Ларго или адаџо) има достоинство благодат, која речиси моли да биде украсена со поворка од дворјани. Третиот, напишана во 3/4 такт на валцерот, што доведува до умот на сала полна со вителот носии. И последен патентите движење по должината на незадржлив темпо што се заканува да го издржам цел оркестар надвор нозете и околу театарот, фатени во чиста радост на вршење на една од најпознатите совршен симфонии некогаш напишани.

© 1995, Геоф Куенинг

Лудвиг ван Бетовен, 1770-1827. Симфонија бр 8 во F, Оп. 93. Завршено октомври 1812 година, првиот настап 27 февруари 1814 година, во Виена. Постигна гол за 2 секој флејти, oboes, кларинети, bassoons, рогови, и труби, тимпани, и жици.

Во 1812 година Бетовен, по четири години пауза, заврши две нови симфонии во просторот на четири месеци. Првиот, неспоредливо Седмо, во сенка на неговиот наследник, тогаш и оттогаш. Сепак, и покрај тоа што е речиси Осмиот најнов, и секако помалку влијателна од својот придружник, таа и понатаму останува непогрешливо работата на Бетовен и наградува за изведувач и слушателот. Таа, исто така го означува пресвртница, за по нејзиното завршување, господар ќе се врати во симфонискиот форма за десетина години.

Бетовен е добро познат по бурна неговата музика и бесен личност. Но, тој, исто така, поседува добро развиена смисла за хумор, а осмиот покажува ова во текот на. Непосредно пред тој почна да го компонирањето, тој беше претставен на Јохан Mälzel, човек кој, иако нешто на шарлатан, револуција во изведба на музика со измислување на метроном. Бетовен беше прилично направени со Mälzel, дури и компонирањето на парче втората стапка ( “ Велингтон победата ”) на неговиот предлог. Осмата симфонија, исто така, содржи почит на човекот, малку на “ во шега ” се појавува во втората движење, каде ветровите се задржи стабилен продолжен победи во имитација на редовна темпирана претходник на метроном, кои Mälzel нарекува “ хронометар. ” (Бетовен зеде шега понатаму со пишување на краток канон на тема, на зборовите “ Та Та Та Та Та … Либер Либер Mälzel, ” или ” Та Та Та. .. драги драги Mälzel. ”)

Во фитинг мода, сепак, Бетовен спаси неговиот најдобар шега за минатата година. Со векови пред (и од), композитори биле penning претерани завршетоци, удар на последните неколку акорди во земјата со конечноста што се чинеше дека државата, “ Еве, јас сум се направи со моето парче, а јас ќе одам да се повторува последната забелешка десет пати само во случај да не сте сигурни за тоа. “” Можеби караше со оваа традиција, Бетовен го сатиризира со цртање заврши својата надвор за 23 сатирични мерки, при што претпоследниот Ц-дур акорд прави само 6 настапи, но конечната Ф-дур акорд се повторува не помалку од 45 пати. И така, во најдобрата традиција на својот учител Папа Хајдн, господар истовремено Skewers на ѓубре на формата и го подигнува на врвот на совршенството.

© 1996, Геоф Куенинг

Луј Хектор Берлиоз, 1803-1869. Увертира, “ Римскиот карневал “, Оп. 9. Завршено 1843 година, првиот настап 3 февруари 1844 година, во Париз. Постигна гол за 2 флејти, 2 oboes, англиски рог, 2 кларинети, 4 bassoons, 4 рогови, 2 труби, 2 карнети, 3 тромбони, чинели, 2 примка тапани, триаголник, тимпани, и жици.

Во 1830 година, по неколку години се обидува, Хектор Берлиоз, конечно ја доби наградата на Рим, престижен натпревар кој се охрабри развојот на музика преку обезбедување на млади композитори со стипендија и можност да студираат во странство (иако тоа исто така доста постојано обесхрабрен иновација, поради конзервативизмот на неговите судии, кои често биле просечни композитори на свој начин). Како услов за наградата, Берлиоз беше потребно да патуваат во Италија за една година. На прво тој се спротивстави на патувањето, се жалат на лошата здравствена состојба, но на крајот тој попуштил и брзо научив да сакам земјата и нејзиниот народ. Оваа љубов инспириран голем број на работи, вклучувајќи го и добро познати Харолд во Италија, а во 1838 година, полу-сериозна опера Бенвенуто Челини.

Како што е премногу често е случај, на премиерата на операта била катастрофална. Оркестарот, и покрај тоа што имаше деветнаесет пробите, не може да се справат со тешкотиите на нова музика, диригентот (еден Франсоа-Antoine Habeneck) игнорира инструкциите Берлиоз, а пејачите омразен нивните делови. По само три настапи тенорот се повлече, поради управување на Париската опера да се откаже од остатокот на ангажманот.

Како и секој добар татко, Берлиоз никогаш не ја напушти својата креација, и половина деценија подоцна, тој одлучи да се надомести барем некои од неговите загуби со конвертирање малку на музика во краток оркестарски увертира. Тој го избрал една тема од љубов дует и втор од жива сцена карневалот во вториот чин; тоа е од последниот, кој увертирата доби своето име.

Комбинацијата е префинета и никој сигурно би помислил дека неговото уредување, добил уверување за успех. Но, уште една пречка му стојат на патот: имаше само една проба пред првиот настап, а играчите на ветрот се вика далеку да должности Националната гарда тоа утро. Заплашен, Берлиоз ги увери дека тие ќе преживеат тешкотии увертирата е: “ Ти се сите одлични играчи. Види мојот стап толку често колку што можеш, смета вашиот почива внимателно, и сè ќе биде во ред ” Тој е точно.; Според извештајот на Сер Чарлс Хале, “ … Победи беше толку пресудна, индикација неговата сите нијанси толку јасно и толку очигледен, тоа … не непосветен човек може да се погоди во отсуство на проба.

Конечниот задоволство за често maligned композитор дојде по увертира се повтори за да ги задоволи барањата на публиката. Како што тој ја напушти сцената, Берлиоз помина Habeneck, кои не слушнале за тешкотиите со кои се дојдени во надеж дека на гледање на катастрофа. Осврнувајќи се на карневалот сцена во операта, која Habeneck секогаш зел премногу бавно, Берлиоз, коментира едноставно, “ Тоа е како тоа оди. “” Немаше одговор.

© 1996, Геоф Куенинг

Жорж Бизе, 1838-1875. Кармен Suite број 1. Завршено 1875 година, првиот настап 3 март, 1875 година, во Париз. Постхумниот Suite е постигна гол за 2 флејти, 2 oboes, англиски рог, 2 кларинети, 2 bassoons, 4 рогови, 2 труби, три тромбони, тимпани, харфа, триаголник, бас тапани, кимвали, кастањети, дајрето, и жици.

Во аналите на музиката се полни со огромен број на “ една работа ” композитори кои, иако тие може да генерира многу парчиња во текот на животот, денес се памети по една точка на нивната работа која успеа да постигне величина или барем популарност. Кој би се потсетиме Пол Дукас, на пример, ако тоа не беше за Чирак на Sorcerer, или Пјетро Маскањи, освен за Кавалерија рустикана?

Водечки пример за такви историски несреќа сигурно мора да биде Жорж Бизе, кој е запаметен првенствено за Кармен и покрај тоа што се посветени само на музика уште од рана возраст до неговата прерана смрт. Сепак, кога ќе се погледне малку подлабоко во историјата на човекот, ќе откриеме дека работите не се толку едноставни како што можеби изгледа. Да започне со тоа, Кармен навистина не е единствената работа што ја најде својот пат во стандардниот репертоар. На L’Arlesienne Suite е популарен ситни работи, симфониски својата во C големи повремено може да се најде на концертна програма, а две други опери (Џоли на Перл Ловци и Ла Fille де Перт) не се непознати во големата куќи на светот . Но, дури и тоа може да биде фер кон споменот на човекот, бидејќи за разлика од Маскањи, кој го помина остатокот од својот живот обидувајќи се да го имитираат успехот на Кавалерија, Бизе беше отсечен на врвот на својата креативност, умира само 30 дена по премиерата Кармен. (Патем, треба да се остави настрана заблуда дека Бизе умре од скршено срце предизвикани од неуспехот на неговото ремек-дело. Композиторот секогаш бил со нарушено здравје, и додека опера генерирана некои контроверзии, го имаше за некои 37 настапи, многу повеќе од неговите типични ангажман во денешна Мет!)

Пакет од Кармен, извлечена по смртта на композиторот, содржи оркестарски прилагодувањата за некои од најпознатите стихови на операта. Слушањето на мелодиската генијалност и општи инвентивност истакната од страна на сопствена, ние може само да се шпекулира за тоа што Бизе го произведува тој беше поздрав, или се прашуваат дали тој би навистина се покажа како уште една ѕвезда, кој, да парафразирам Енди Ворхол, би ги прикажување на 15 минути на талент.

© 1995, Геоф Куенинг

Ернест Блох, 1880-1959. Концерт Гросо број 1. Завршено 1925 година постигна гол за гудачки оркестар со пијано obbligato.

Во 1920 година, швајцарски американскиот композитор Ернест Блох беше побарано да се најде музичко училиште во Кливленд, Охајо. Привлечени од можноста за позиција што ќе му овозможи да се фокусира на енергија, тој ја прифати понудата, а Кливленд Институтот за музика е роден. Веќе познат како композитор и професор, Блох брзо изгради следново во Институтот, подигање на запишување од седум во декември од 1920 година за да се 200 по октомври, а 400 години подоцна.

И покрај неговиот успех, Блох наскоро се најде себеси во конфликт со својот богат поддржувачи, можеби поради неговото одбивање да се направи компромис за уметнички прашања. Овие тешкотии доведоа до неговото заминување по само пет години, сигурно повеќе од загуба за Кливленд отколку за композиторот.

Концертот Гросо беше составен непосредно пред заминувањето Блох, како одговор на загриженост на некои ученици дека таквата работа се уште може да биде напишана. ќерка на композиторот, Сузан, пишува дека “ беа скептични кога Блох им рекол дека сè уште може да се напише жив и изворна музика со средства кои постоеја за толку долго. “” Како доказ, тој го напишал Предигра на концерт Гросо. Кога оркестарот студент играле со очигледна ентузијазам, Блох извикуваа: “ Што мислиш сега? … Таа има само старомодни белешки! ”

Во текот на следните неколку месеци, Блох заврши останатите движења, завршување на работата со фуга тоа повторно го привлече само на класични техники. И така тоа е дека ние денес имаме работа која успешно покажува виталноста на традиционалните пристапи, додека преостанатите непогрешливо од дваесеттиот век.

© 1997, Геоф Куенинг

Александар Бородин, 1833-1887. Во степите на централна Азија. Завршено 1880 година постигна гол за 2 флејта, обоа, англиски рог, 2 кларинети, 2 bassoons, 4 рогови, 2 труби, 2 тромбони, бас тромбон, тимпани, и жици.

Очигледна заедничка нишка меѓу композитори вклучени во извршување на оваа вечер е дека сите 19-от век Русите, автори на некои од lushest и повеќето романтична музика некогаш напишани. Помалку познато е дека сите три се однесува на музиката релативно доцна во животот, по спроведувањето кариери во други области. Сите три послужи како освежителен противотрови за бескрајни приказни за вашето дете prodigies кои, како што понекогаш се чини, ја започна својата музичка студии во утробата и сите се оствари бесмртноста на возраст од десет.

Многу познати личности во историјата на екранот таленти во повеќе од една област. Леонардо да Винчи беше можеби повеќето одличен пример, но има и многу други пред и после. Еден таков човек беше Александар Бородин, кој се претвори во составот, додека истовремено извршуваат славни кариера како истражување хемичар, објавување на бројни научни трудови, како и измислување техники за анализа кои се ‘уште е во употреба од половина век по неговата смрт.

Бородин доби релативно рано за музичко образование, иако тоа не го спречи да се обидува својата рака во малку детски состав, кој беше успешен доволно дека неговото семејство брзо да го најде професор по музика. Но, неговите други академски таленти на крајот го доведе да студира медицина и хемија (сепак, тој беше често се укори од страна на професори својата за трошење премногу време на балади!).

Како што е наведено погоре, Бородин таму да се направи науката својата професија и неговата музика хоби, но тој беше тешко dabbling аматер. Неговата соба композиции, особено неговата квартети, постави нов рускиот стандард, и многу од другите негови дела уште се во стандардниот репертоар. Бродвејскиот мјузикл Кисмет популаризира голем број на теми од неговата опера Кнез Игор, особено во хит песна “ Странец во рајот “.

Во степите на централна Азија е напишана за јубилејот на царот Александар Втори, да ја придружува историско табло кои ќе бидат дел од фестивалот. Иако релативно минорна работа, има шарм, која ја заработи на популарност далеку од скромни амбиции композиторот, не потсетува сите дека овој музички “ аматерски ” беше талентиран како и секој од професионални неговите современици.

© 1995, Геоф Куенинг

Јоханес Брамс, 1833-1897. Симфонија бр.4 во е, Оп. 98. Завршено 1885 година, првиот настап Октомври 25, 1885 година, во Мајнинген, Германија. Постигна гол за 2 секој флејти, oboes, кларинети и bassoons, contrabassoon, 4 рогови, 2 труби, 3 тромбони, тимпани, триаголник, и жици.

Јоханес Брамс беше неверојатно несигурен човек кој постојано се загрижени дека тој не е достоен за музички традицијата на Хајдн, Моцарт и Бетовен и се прашував дали тој е губење на неговите способности. Еден од најпознатите несреќно ефекти од недостатокот на доверба беше олицетворена во неподготвеност да се обиде симфонија за страв дека ќе биде неповолно во однос на оние мајстори, чека додека тој беше 43 години за да се заврши во прв план.

Откако тој ја надмина онаа иницијална пречка, сепак, тој брзо се адаптираше на формата, за производство на неговата останатите три симфонии во простор од само девет години. Секој се чинеше дека се поуспешни од своите претходници; секој воведе повеќе длабочина и иновации од најсложените композитори од 19 век.

Можеби врховниот постигнување на четири симфонии се наоѓа, достојно, на крајот на четвртото место. Конечниот движење е структурирана како passacaglia, еден вид на варијанта во која остинато (италијански за “ инат ”) тема се повторува во долниот гласови, додека други инструменти за креирање на нови идеи околу неа. Брамс врз основа на движењето на едноставен премин од кантатата бр 150 на Бах и произведени од не помалку од 34 различни толкувања на мелодијата.

Темата е првиот претставен сам, како што првите осум ноти на движењето. По давањето на слушателот оваа јасна водич за претстојната патување, Брамс потоа прави само мала промена, како да нè предупредуваат дека е потребно на нашето внимание. Секој следен варијација станува посложена, се повеќе далечна роднина на изјавата на отворањето, но композиторот секогаш води публиката со внимателно размислување, да се осигура дека ние сме во состојба да се најде на остинато сето тоа лежи во основата, додека во расплетот е јасно како се испреплетуваат и покрај тоа што на оригиналниот некако поминувале во магла, оставајќи ги само доволно на духот за нас да се запамети како величествено што почнале.

© 1999, Геоф Куенинг

Јоханес Брамс, 1833-1897. Варијации на тема од Хајдн, Оп. 56а. Завршено 1873 година, првиот настап 2 ноември, 1873 година, во Виена. Постигна гол за 2 флејти, Пиколо, 2 oboes, 2 кларинети, 2 bassoons, contrabassoon, 4 рогови, 2 труби, тимпани, триаголник, и жици. (Оп. 56b претставува поврзување на истата работа за две пијана.)

Јоханес Брамс, иако еден од најголемите композитори на сите времиња, често страдаат од сомнеж и несигурност во врска со својот талент. Никаде не е овој поочигледна отколку во неговата неподготвеност да се натпреварува со Бетовен со составување симфонии. Дури и не-симфониски оркестарски дела дојде само неодлучно. Две серенади појави додека тој бил во својот дваесетти години, а во текот на истиот период, ја откажале од една симфонија, тој се конвертира дел од обидот на монументалниот Првиот концерт за пијано. Неспоредлива германски Реквием, што се 11 години да стигне до завршување во 1868 година, покажа дека тој е целосно способни за справување со комплексноста на голем ансамбл, но дури и тогаш тој изгледаше како да сака да се обиде својата рака во чисто оркестарски литература.

Се шпекулира дека е околу 1870 година кога Брамс наидов на коралски Св Антони, а потоа му се припишува на Хајдн (последователна истражувања фрлија сомнеж врз авторство Хајдн). Тој беше доволно плени да го копирате тема во својата тетратка, а три години подоцна, тој почна да работи на еден збир на варијации. Не е јасно дали тој првично беше планирано на две-пијано или оркестарски верзија; стилот на пишување на пијано укажува на поранешниот, а писмо напишано во септември од 1873 година укажува на вторите. Во секој случај, тој за прв пат им го открил на неговиот добар пријател Клара Шуман во форма на пијано, и ги претстави друга верзија на својот издавач помалку од два месеци подоцна. Премиерата беше голем успех, и работата брзо стана главен во репертоарот.

Некои аналитичари теорија дека Варијации Хајдн биле напишани како еден вид на вежбање пред производство на симфонија, мислење малку поддржани од појавата на првиот симфониски само три години подоцна. Но, се чини дека ова ограничен поглед, за Брамс беше многу драг на образецот на варијација, и комплексноста и совршенството на работа, заедно со својата двојна-пијано генеза, укажуваат на тоа дека тоа секогаш беше со намера да застане на свои. Во секој случај, вежбање или не, работата е маестрално, обезбедување на бескрајни уживање дали за дневниот concertgoer или длабоко аналитички музиколог.

© 1997, Геоф Куенинг

Јоханес Брамс, 1833-1897. Не концерт во Д-дур за виолина и оркестар, Оп. 77. Завршено 1878 година, првиот настап 1 јануари 1879, во Лајпциг. Постигна гол за 2 секој флејти, oboes, кларинети и bassoons, 4 рогови, 2 труби, тимпани, и жици.

Во 1848 година, 15-годишниот Јоханес Брамс, на турнеја како корепетитор на унгарскиот виолинист Едвард Reményi, беше воведен на Јосиф, Јоаким, талентиран свирач две години постара од него. Двете млади музичари беа веднаш подготвени да еден на друг, и доживотно пријателство следеше.

Тоа е само природен дека Брамс треба да сакаат да се напише концерт за својот пријател, но 30 години ќе поминат пред тој да може да собере доверба да го направите тоа. Кога конечно правеше тоа, тој покажа дека и покрај своите сомнежи дека е добро во можност да пишувам за инструмент со кој тој беше непознат. Тој испрати копија од резултатот на Јоаким, со барање за коментарите на она што беше “ тешки, непријатно, не е можно, итн, ”, но виолинистот одговори дека “ поголемиот дел од материјалот да се репродуцира — некои од нив, всушност, сосема оригинално violinistic, ”, иако тој изрази одредена резервираност во врска со издржливост е потребно за да ја пуштите “ во прегрее концертна сала! ”

Но, Брамс продолжи да се сомнева, а наскоро го отпушти средината две од оригиналниот четири движења, заменувајќи ги со што на вечната jokester нарекува “ изнемоштени адаџо. ” Јоаким видов преку само-забелешката неговиот стар пријател, а не губеле време во презентирање на нова работа за јавноста. Тоа не беше добро примен во прво време, и покрај постојаните настапи (еден критичар од тоа како “ концерт наспроти виолина ”), но се разбира потомство е правилно да го позиционира како еден од најголемите претставници на виртуоз Романтични традиција.

© 1996, Геоф Куенинг

 

Јоханес Брамс, 1833-1897. Концерт во Д за виолина и оркестар, Оп. 77. Завршено 1878 година, првиот настап 1 јануари, 1879, во Лајпциг. Постигна гол за 2 секој флејти, oboes, кларинети и bassoons, 4 рогови, 2 труби, тимпани, и жици.

Неколку композитори во историјата биле истовремено толку талентирани и, па не сака да се обиде големи дела како Јоханес Брамс. Неговата прва работа за солист со оркестар, концерт на пијано за цел да ја покажат својата pianistic способности, мораше да чека додека тој беше 35 години. Идејата на Концертот за виолина, инструмент тој не игра, беше дури и повеќе застрашувачки, чека уште 20 години за да се обиде. Вообичаено, тој беше сигурен на квалитетот на неговата работа, пишување на dedicatee, Јозеф Јоаким, дека “ … треба да се поправи, не штедат на квалитетот на составот … јас ќе бидам задоволен ако ќе се одбележи оние делови кои се тешки, непријатно, или невозможно да се игра. ”

Јоаким најде работа борци, што укажува само мали промени. Неколку месеци на ревизија и проба следи, со Јоаким снабдување каденца прва движење (како што беше традиционален) за прв перформанси. Како што е премногу често случај, сепак, работата не беше добро примен, со еден критичар напукнување дека е концерт против, а не за, виолина. Фриц Simrock, Брамс, издавач, сакаше да го ослободи во секој случај, но мораа да се соочат со prankish редеа на композиторот: во едно писмо тој рече дека работата не е во вредност од многу, но сепак тој вети дека нема да го палите!

Беа потребни многу години за концерт да се најде успех. Во прво време само Јоаким и уште неколку други, ќе се обидам и малку внимание се чинеше да уживаат во работата. Но, како времето напредува и хармонично јазик почна да се запознаат, се повеќе и повеќе виолинисти се додава на нивниот репертоар, и до 1900, таа стана една од најчесто се одигра на сите виолина концерти, позиција што продолжува да се одржи еден век подоцна.

© 1999, Геоф Куенинг

 

Бенџамин Бритн, 1913-1976. Soirées Музичката, Оп. 9. Завршено 1936 година, постигна гол за 2 секој флејти, oboes, кларинети и bassoons, 4 рогови, 2 труби, 3 тромбони, ксилофон, примка тапан, суспендирани кимвал, паѓање на кимвали, бас тапан, glockenspiel, триаголник, castenets, тимпани, харфа или пијано, и жици.

Во текот на летото на 1930 година, повнимателен британски тинејџер беше побарано од страна на колеги партија гостин што планираат да го направат со својот живот. “ Одам да биде композитор “,” одговори Бенџамин Бритн. “ Да “,” дојде одговорот, “ но што друго? “”

Овој став, иако можеби нечувствително, не беше целосно неразумно. Големиот американски композитор Чарлс Ајвс се поддржани од страна на продажба на осигурување. Бородин бил хемичар, Чајковски бирократ, органист Бах црква, и Бернштајн и Малер направи крај со крај со спроведување на Њујоршката филхармонија. Но, Бритн, како и многу пред него, беше решен да се најде успех на својата смисла. Во 1935 година тој доби позиција постигнувајќи филмови за мал документарен филм компанија, Филм единица на GPO. Тој беше успешен во оваа задача, создавање музика за такви чудни наслови како Освојување на простор и банкарство за милиони. Тоа беше важен пат во својот живот; притисоците на работното место го принуди да се брзо подобрување на компонирање своите вештини, а во исто време тој се сретна со поетот W.H. Оден, кој ќе стане живот соработник и придружник.

Во 1936 година, Бритн беше побарано да обезбеди музиката за документарниот филм со наслов “ мажите на Алпите. “” За овој филм, тој одбра да диригира пет пијано Gioacchino дела од Росини, плоден италијански оперски композитор од еден век порано. Тој подоцна адаптирана на парчиња во сегашноста пакет (насловот се преведува како “ музички вечери ”), која се користи во 1938 година како резултат на една единствена балет, вечеринка Musicale. Ниту, пак, беше ова на крајот, за во 1941 година Бритн оркестрирано друга група на Росини парчиња, нарекувајќи ги matinees Музичката ( “ Музички Утрата ”). а потоа на два апартмани се комбинираат во нов балет, Џорџ Balanchine е Дивертименто.

Бритн, ќе одат за да стане еден од најзначајните композитори на дваесеттиот век. Кога се смета во контекст на неговата вкупна моќност, Soirées Музичката е релативно мал напор што посочува само на она што ќе дојде, но работата не помалку пријатно за да биде предвесник на величина е.

© 1998, Геоф Куенинг

Емануел Chabrier, 1841-1894. Еспања, рапсодија за оркестар. Завршено 1883 година, првиот настап 4 ноември 1883 година, во Париз. Постигна гол за 2 флејти, Пиколо, 2 oboes, 2 кларинети, 4 bassoons, 4 рогови, 2 труби, 2 карнети, 3 тромбони, туба, тимпани, триаголник, примка тапани, бас тапани, кимвали, псалтири 2, и жици.

Емануел Chabrier беше типичен Французин, опседнат со сите нешта сензуална. Кога умрел, неговиот имот беше Кој виртуелен Кој е на импресионистички дела: на Сезан, 11 Manets, 8 Monets и 6 Renoirs, меѓу другите, сите превземања на љубител на уметноста, кој немал грижа за вредноста што би имала век подоцна. Писма од неговиот шпански патување, преземени веднаш по тој конечно ја напушти својата позиција како службеник да се посвети на музиката, танцот, така ласцивно на работ на еротскиот дека тие само tamest може да се наведени тука:

Од доаѓањето на Андалузија не сум ја видел многу грда жена … Јас нема да дозволиме на она што се прикажат овие жени, но тие го прикаже убаво. [Со] нивните раце голи и нивните трепките толку долго тие би можеле да биде завиткан … тие го поминуваат своето време да се смее, гестикулира, танцување, [и] пиење.
Доста интимна опсервација, со оглед на тоа што тој го донесе неговата сопруга на патување!

Други букви содржи богат музички цитати на ритми и мелодии го слушна. Затруени со целото искуство, тој ја компонира Шпанија, која ќе донесе слава и популарност што толку долго го избегнуваше. За разлика подоцна роднини напишана од другите Французи, работата е генерално не го сакаа во земјата ја опишува, можеби затоа што, според зборовите на големиот композитор Франсис Пуленк, “ Еспања за Шпанците е ништо друго туку сиромашните однос на нивните zarzuelas, … портрет на шпанската музика со брилијантен чирак [сликар]. ” Сепак, за аутсајдер, таа и понатаму останува совршен опис на 19-от век во Шпанија, како волшебна како суптилна пастели на импресионистите кои ја споделија перспектива Chabrier за светот.

© 1996, Геоф Куенинг

Арон Копланд, 1900-1990. Апалачките Spring (балет за Марта). Завршено 1944 година во Кембриџ, Масачусетс, прва изведба 30 октомври 1944 година, во Вашингтон Првично постигна 13 инструменти, проширена верзија постигна гол за 2 секој флејти, oboes, кларинети, bassoons, рогови, труби и тромбони, богата ударни батеријата на тимпани, ксилофон, примка тапани, бас тапан, долго тапан, дрво блок, синкопи, glockenspiel, триаголник, плус харфа, пијано, и жици.

Апалачките пролет Арон Копланд е најпознатиот работа од страна на деканот на американските композитори, и со добра причина. нежен, џез-влијание стил Копланд е секогаш паѓа лесно на уво и неговата карактеристична “ американски ” звук доведе до развој на единствен национален идиом, кој ни послужи и за повеќе од половина век, како во концертна сала и во помалку очигледни место на кино. работа Копланд беше многу популарна во Холивуд, тој ја компонира музиката за многу филмови, вклучувајќи и такви познати оние што нашиот град и на глувците и мажите.

Во 1943 година Копланд отпатува во Холивуд за да ја напише музиката за Северна Star, врз основа на приказната од страна на Лилијан Хелман. Додека бил таму, тој бил контактиран од страна Sprague Фондацијата Кулиџ на Елизабет, која му е наложено да се напише балет. Новата работа ќе се врши од страна на Марта Греам и нејзиниот танц компанија во Кулиџ Аудиториум на Библиотеката на Конгресот. Копланд брзо да се работи на музика, кој ќе го придружува на приказната на една свадба во руралните Пенсилванија.

Поголемиот дел од балетот беше составена додека Копланд е во Калифорнија и Мексико, со конечниот допира додаде откако тој се врати во Масачусетс да предава на Универзитетот Харвард. Мелодиите се пред се оригинални, но кон крајот на работа тој одбра да го цитирам Shaker песна “ Едноставен Подароци, ”, се базираше маестрално сет на варијации на мелодија.

Греам е задоволен од работа, која беше предвидено да се изврши во падот на 1944 година Единствениот преостанат проблем беше насловот, која очигледно се stumped композитор и танчерка. Дури и еден ден пред премиерата, работата се уште се нарекува едноставно “ балет за Марта, ”, но во последен момент името “ Апалачките Пролет ” беше донесена од една песна од Харт Крејн. Тоа е една од помалите необичностите на историјата што оваа фраза никогаш порано биле со кои се соочуваат композитор, за тоа ја опишува музиката толку совршено дека еден природно ќе се заклучи дека ги натерале на создавање на делото, наместо да бидат приложени само како afterthought.

© 1998, Геоф Куенинг

Achille-Клод Дебиси, 1862-1918. Ноктурна. Завршено 15 декември 1899 година (на 3 изутрина, се вели во натписот на ракопис), прва изведба 27 октомври 1901 година, во Париз. Постигна гол за 3 флејти, 2 oboes, англиски рог, 2 кларинети, bassoons 3, 4 рогови, 3 труби, 3 тромбони, туба, чинели, примка тапан, тимпани, 2 харфи, женски хор, и жици.

Очигледна заедничка нишка меѓу композитори вклучени во концерт вечерва е дека сите тие беа на француски јазик. Но, тие исто така го сподели други дефинирачки карактеристики: сите беа иноватори и сите брилираа во оркестрација, уметноста на изборот инструментална комбинации за да се постигне саканиот звук. Берлиоз, напиша една од првите (и сеуште конечен) книги на оваа тема, а еден од најголемите достигнувања Равел беше неспоредлива неговиот оркестарски поставување на монументална композиција за пијано Мусоргски, Слики од изложба.

Но, во некои начини Клод Дебиси, една од првите “ импресионистички ” композитори, беше најталентираниот на три. Како и француските сликари чии дела позајми етикета на музички стил Дебиси, тој претпочита суптилните на бесрамна, тивок хармонизиран каде што одекнува извештаи, како и целокупната текстура која нежно ги охрабри слушателот да стане нурнати во искуство на уметникот. Тоа го наведе во истражување на инструменталната боја тон кој никогаш не пред, а можеби и никогаш повеќе, се толку темелно развиени.

Еден од најдобрите примери на стил Дебиси е три-движење ноктурна за оркестар. Овие парчиња имаат долга и малку кариран историја; во 1892 година на композиторот напишал дека тој беше речиси завршена со Trois сцени о Crépuscule ( “ Три Самрак Сцени ”), оркестарски триптих по песни од Анри де Regnier. Оваа верзија е загубен, како што беше на 1894 инкарнација наменет како Концертот за виолина за Ежен Ysaÿe. Но идеите повторно се појави во 1899 година да стане ноктурна знаеме денес, и тоа е доказ за владеење на опрема Дебиси е дека сега е невозможно да се замисли работа во било која друга форма.

Додека работел на виолина соло-верзија, Дебиси, коментира дека тоа е “ една студија во сивата слика, ”, но овој опис е навистина лоша услуга. Секако работата вработува пастелни тонови, наместо смели бои, но не постои недостаток на сорта. Топлината на Nuages ​​( “ облаци ”) се сеќава на летото љубовна врска, со англиски рог доведување апатичен милувања. Fetes ( “ Фестивали ”) е уште воздржани прослава, вид кој генерира доживотно спомени без воопшто да се наруши соседи. Конечно, Sirènes ( “ сирени ”) се базира на едноставен две-белешка мотив да ја заведе на слушателот во реката Дебиси, исто како опасно како митолошки убавини кои се привлечени безброј морнари до несреќата во текот на вековите. Тоа навистина е среќа што разигран публика се дадени момент по концертот да се прегрупираат, за да не се удави во роб на врховен достигнувања францускиот импресионизам е!

© 1996, Геоф Куенинг

Јохан Фридрих Fasch, 1688-1758. Концерт за труба и оркестар. Постигна гол за 2 oboes, соло труба, стрингови, и континуо.

Јохан Фридрих Fasch е пример за тоа дека сите премногу честа појава во музиката, заборавената иноватор. Современик на Бах (1685-1750), Fasch беше плоден барокен композитор, пишува меѓу другото преку 90 апартмани, 16 маси, 4 серии, 61 концерти и 19 симфонии. Тој беше добро познат во свое време, но повторно откривање на музиката на Бах во 19 век предизвикани Fasch да исчезнат во заборав. Дури и денес, голем дел од производството му останува необјавен и познати само за најпосветените музиколози.

Fasch формира важен мост помеѓу релативно интелектуални дела на Бах и многу повеќе емоционална симфонии на Хајдн и Моцарт. Тој беше многу повеќе подготвени од другите да експериментирате со различни комбинации на инструменти, и е особено драг на семејството на ветер, како што е прикажано во овој концерт, каде што тој нагласува релативно пригушени тонови на жиците со еден пар на oboes да се формира обично пријатен придружник за соло труба.

© 1998, Геоф Куенинг

Михаил Глинка, 1804-1857. Увертирата на “ Руслан и Људмила. ” Завршено ноември 1842 година, првиот настап 9 декември 1842 година, во Санкт Петербург. Постигна гол за 2 секој флејти, oboes, кларинети и bassoons, contrabassoon, 4 рогови, 2 труби, 3 тромбони, тимпани, и жици.

Откако популарен и влијателен композитор Михаил Глинка се памети првенствено денес за две опери: Живот за цар (1836) и Руслан и Људмила (1842). Подоцна, врз основа на работата кои го донесоа на поетот Александар Пушкин својот прв успех во 1820 година, се чини како совршен оперски предмет и невозможно. Комплициран бајка за љубовта надминување на сите пречки, тоа е опремен со летање џуџе кој добива својата моќ од брадата, борба со гигант разделен глава, спасување осуетен убиениот херој воскреснат и среќен крај со љубовниците се сретнат. Глинка се надеваше дека ќе работат на опера со себе Пушкин, но предвремена смрт на поетот го направи тоа невозможно. Наместо тоа, пишува Глинка, пријател, Константин Bakhturin, “ … ја зеде врз себе да работат на планот на операта, и сето тоа во само една четвртина од еден час, додека пијан. ” Помала поет, Валеријан Shirkov , зачекори во да се пишува либретото.

Глинка работел наизменично, се бара пет години за да се заврши работата. Дури и тогаш, во обичајот на многу од неговите современици, тој ја напушти составот на увертира во последен момент, пишува “ … често во собата на производителот за време на пробите. ” Но, и покрај инвентивноста на музиката и многу од нејзините незаборавни мелодии, Руслан и Људмила беше голем неуспех, поради што огорчен композитор да се откажат од операта со пророчки забелешка, “ Тоа може да се препознае во сто години. ”

© 2000, Геоф Куенинг

Едвард Григ, 1843-1907. Пијано концерт во мали, Оп. 16. Завршено 1868 година, првиот настап 3 април 1869 година, во Копенхаген. Постигна гол за 2 флејти, 2 oboes, 2 кларинети, 2 bassoons, 4 рогови, 2 труби, 3 тромбони, тимпани, жици, и соло пијано.

Во 1867 година, Едвард Григ конечно се ожени со својата братучетка Нина Hagerup во текот на забелешките на двајцата родители и неговата свршеница е. Нетрпеливоста веднаш оздраве од раѓањето на нивната ќерка наредниот април, а во јуни 1868 на три Griegs отпатува во Данска. Нина остана со нејзиното семејство во Копенхаген, а Едвард пензија во земјата за да ја составите, а до крајот на летото тој заврши соло пијано дел од неговиот концерт и ја истакна оркестрација. Работата беше завршен следните зима, по Griegs се врати во Осло.

Во тоа време, на норвешката публика за сериозна музика беше ограничен, и Григ често имаа потешкотии во наоѓањето на прифаќање на неговите композиции. Во подоцнежните години, тој пишува дека тој и неговите пријатели конечно се откажаа од обидите да се изврши со “ дух и живот, ” и е намалена за правење музика само во нивните сопствени домови. Во Копенхаген, од друга страна, публиката се ентузијасти во врска со музиката воопшто, и скандинавските музика, а особено. Тоа не е изненадувачки, тогаш, дека Григ договорено да имаат прв преземе перформанси место надвор од својата родна земја.

Концертот беше голем успех од самиот почеток. Григ не можеше да присуствува поради обврските со неговиот оркестар Осло, но солист, Едмунд Neupert, пишува дека “ трите опасни критичари … поздравена со сета сила, ” и пријател Григ Бенјамин Fedderson го информирал дека имало “ гром хор [шпански] аплауз ”, во голем број случаи во текот на работата.

Можеби изненадувачки, работата беше, исто така, добро примен во Осло, неколку месеци подоцна. Оттогаш стана омилен кај публиката низ целиот свет, и со добра причина, за од незаборавно драмски отворање каденца на неселективно големото финале акорди, концерт е исполнет со пронајдокот, оригиналност и искра која не може да им помогне, но се молам на уво.

© 1996, Геоф Куенинг

Франц Јозеф Хајдн, 1732-1809. Концерт во C мајор за виолончело и оркестар, Хобокен VIIb: 1. Завршено околу 1761-1765, првата модерна изведба 19 Мај 1962, во Прага. Постигна гол за 2 oboes, 2 рогови, виолина, виола, и контрабас.

Франц Јозеф ( “ Папа ”) Хајдн беше можеби еден од најплодните композитор на сите времиња, пишува 18 опери, 104 симфонии, 83 гудачки квартети, бескрајни песни, хорски дела, камерна музика, куклени опери, па дури и 32 парчиња за механички часовници . Целосната листа од неговите дела зазема речиси 40 страници во речникот за музика и музичарите честакот — и ова не вклучува многу работи кои се изгубени во текот на вековите!

Една работа која што се мислеше изгубени беше првиот C мајор виолончело концерт. Веројатно тоа беше напишано за Јосиф Weigl, близок пријател на Хајдн кој беше главен виолончелист во судот оркестар на принцот Esterhazy, патронот Хајдн. Концертот беше ставена на листата во каталог Хајдн се направени од неговите дела, но лежеше непознат за речиси два века до откриени во 1961 година во Националниот музеј во Прага од страна Oldřich Pulkert, чешки музиколог. Само еден сет на оркестарски дела, копирани во она што е веројатно страна Weigl е, преживеа забот на времето и војната да ни донесе она што сега е многу популарна работа Хајдн во жанрот.

Концертот е напишано во традиционалните брзо-бавно брз стил, почнувајќи со движење moderato во која главна тема е малку различни секој пат кога се појавува тоа. Прекрасната централна адаџо е напишана за жици само, можеби подобро да ја покажат познатиот тон Weigl е. Завршно алегро molto овозможува на солист типичен виртуозна екранот во услови на изобилство мелодични изум, со задоволување на заклучок на оваа шармантна работа.

© 1995, Геоф Куенинг

Франц Јозеф Хајдн, 1732-1809. Концерт за обоа и оркестар, Хобокен VIIg: Ц1. Можеби најинтересно за обоа концерт на Хајдн е тоа што речиси сигурно не беше составена од Хајдн.

Во втората половина на 18 век, музика Хајдн беше во голема побарувачка, а иако на преподобниот композитор беше неверојатно плоден, издавачи беа постојано во потрага по нови дела кои ќе ги донесе убав профит. Хајдн одговори на некои од нивните потреби со тивко продажба на една работа со повеќе партии и со донесување исклучи брат Мајкл неговата работа како своја, но дури и како shenanigans остави некои музички компании незадоволни. За среќа за нив (иако не за музиколози), релативно едноставни решенија се нудат: Комисијата работи од други композитори, а потоа да ги испечатите и под името Хајдн, со командантот на многу повисока цена.

Како што ако оваа практика не беа доволно за да предизвика бескрајни конфузија, тоа не беше до 1950, кои Ентони ван Хобокен, холандски ентузијаст, го создаде првиот комплетен каталог на дела Хајдн. Во меѓувреме, толку многу записи се изгубени или уништени која истражувачите често се остави да се погоди на потекло одредена работа, со користење на индиции како што се музички стил или тематски врски да се заклучи дали тој е автентичен, а кој вистински композитор може да се.

Во случај на тековната работа, повеќето модерни музички историчари се согласуваат дека е невистинита, иако Hoboken вклучен во неговиот каталог. Но, бидејќи ние сме оставени со само шпекулации за неговата вистинска авторот, ќе се наоѓаат на листата на работа Хајдн, додека некои претприемнички душата може да ни обезбеди со повеќе веројатно авторот.

© 1999, Геоф Куенинг

Франц Јозеф Хајдн, 1732-1809. Симфонија бр 88 во Г. најверојатно е составена во 1787 година постигна гол за флејта, 2 oboes, 2 bassoons, 2 рогови, 2 труби, тимпани, и жици.

Јозеф Хајдн беше толку продуктивен душа што е тешко на моменти да се направи смисла на неговиот излез. Каталог на неговите дела во речникот на музиката честакот и музичари зафаќа само околу 40 страници, повеќе простор отколку што им се дава на целиот напис на Брамс. Нагласува вклучуваат повеќе опери од Пучини, повеќе гудачки квартети од Моцарт и Бетовен во комбинација, divertimenti, предлози, сонати и концерти во речиси бесконечна различни, 32 парчиња за механички часовници, и се разбира на 104 симфонии што ја засрами заедничко производство на целиот 19 век.

До 1780 година е, Хајдн има постигнато слава и успех заслужи со таков голем човек. Impresarios од Лондон и Париз се молат да го компонира за нив, студентите од цела Европа патувал да учат под господар, а тој редовно доби подароци од злато од благородништвото на кого му беа посветени дела. Тој беше зафатен и популарни, но тој никогаш не ја изгубил контакт со обичните луѓе. На 88 и 89 симфонии, на пример, беа посветени на Јохан Tost, виолинист во оркестарот на принцот Esterhazy, патронот Хајдн.

Симфонија бр 88 е типично поставен Хајдн работа, полн со ентузијазам и иновации. Иако инструменти е ограничен од страна на Конвенцијата и на располагање музичари од оркестарот Esterhazy, Хајдн најде нови начини да ги искористи своите ресурси, вклучувајќи додавање на месинг и тапаните во традиционално воздржани менует. Кога ќе се соочат со своите економски се уште се вклучени мелодии, на слушателот да се поклонат само во изненадување дека едно лице може да се толку темелно ја постави основата за два века на развојот на модерната симфонија.

© 1997, Геоф Куенинг

Пол Хиндемит, 1895-1963. Симфониски Метаморфозис на теми од Карл Марија фон Вебер. Завршено 1943 година, првиот настап 20 јануари 1944, во Њујорк. Постигна гол за 2 флејти, Пиколо, 2 oboes, англиски рог, 2 кларинети, бас кларинет, 2 bassoons, contrabassoon, 4 рогови, 2 труби, 3 тромбони, туба, тимпани, ударни инструменти, и жици.

Кон крајот на мај 1938 година, озлогласен изложбата беше поставена во Дизелдорф страна на претставници на Нацистичката партија. Насловен како Entartete Musik ( “ дегенерира Музика ”), го критикуваше композициите модернист, атонална композитори, особено оние на Евреите, како што се талентирани Арнолд Шенберг. Иако не и самиот Евреин, дела Хиндемит беа видливо на екранот за поддршка на мотото на изложбата, “ Кој јаде со Евреите, умира од тоа. ” Иако Хиндемит се судрија со потчинети на Хитлер постојано, тоа беше почетокот на крајот. Во септември 1938 година, Хиндемит и неговата сопруга Гертруд лево Берлин, каде што живеел за десет години, да се засолнат во Швајцарија.

Кога Втората светска војна избувна во крајот на 1939 година, некои од пријатели Хиндемит во САД одлучи дека тој е во опасност и донекаде фиктивни договори за него да се држат предавања на различни универзитети, така што американскиот имиграциските власти ќе му дозволи да влезе. Хиндемит прифатена, а во февруари 1940 година пристигна во она што тој некогаш се нарекува “ земјата на ограничен невозможности. ”

За неколку години, Хиндемит се одржува работни односи со балет импресарио Léonide Massine, а во почетокот на 1940 почнаа да се разговара за можноста за производство на балетски врз основа на музиката на Карл Марија фон Вебер. Сепак, Хиндемит откриле дека Massine наменети за користење носии и поставува дизајниран од Салвадор Дали, чија работа тој омразен и Massine чинеше дека нацртите Хиндемит беа “ премногу лично. ” Паѓа надвор следеше и проектот за балет е намален. Музиката не е завршена, сепак, а три години подоцна тој го преработил во Симфонискиот Метаморфозис, кој стана една од неговите најпознати дела.

На “ теми ” споменати во насловот се од Пијано дует Вебер, Оп. 60,4 (прв движење), увертирата на Турандот (втор), Пијано дует, Оп. 3.2 (третиот движење), и дуетите на пијано, Opp. 60.2 и 60.7 (конечна движење). Нема подобро карактеризација може да се дава од онаа на критичарот Олин Даунс, кој напишал: “ Што се однесува до она што г-дин Хиндемит има направено со темите Вебер тој мора да преземат целосна одговорност. Тој има забележано дека, бидејќи тие се во никој случај не најдоброто од Вебер теми, тој се чувствува послободно да ги третираат како што сака! Ништо како искреност меѓу пријатели, и прекрасни Карл Марија е безбедно во неговиот гроб! ”

© 1995, Геоф Куенинг

Артур Honegger, 1892-1955. Концерт da камера за флејта, англиски рог, и гудачки оркестар, Оп. 188. Завршено 1948 година, првиот настап 6 мај 1949, во Цирих. Постигна гол за соло флејта и англиски рог, во придружба на жици.

Во Швајцарија потекнуваат композитор Артур Honegger нешто чудак. Роден во Франција и живее поголемиот дел од животот таму, никогаш целосно не се гледа или националност. Кога бил млад, експерти во потрага за конзистентност го нарекоа еден од “ Les Шест “,” група на до-и-доаѓаат француски композитори, иако неговиот стил воопшто не беше слична со онаа на другите и тој омразен музиката на Ерик Сати, уште еден член на новинарот-измислена група.

Како и неговиот постар колега Морис Равел, кој изрази жалење за популарноста на неговата “ оркестарски крешчендо ” Болеро, Honegger беше засрамен од неговите најпознати парче, кој беше замислен како што е малку повеќе од една вежба во музички забрзување. Mouvement symphonique бр.1 би можело да се заборави неговата игра Зачувај за Пацификот преводот 231, чија слика на парна локомотива фати фенси на јавноста. (Пацифик 231 беше прв од три такви експерименти; Honegger лево третиот наслов во надеж дека тоа ќе се гледа како чиста музика — одлука што можеби беше премногу успешна, за работа ретко се одигра.)

Honegger бил активист во име на неговите колеги композитори, често ги критикуваат во печатените третман (или, во неговото гледиште, малтретирање) на модерната музика. Почнувајќи во дваесеттите години, и продолжува се до неговата смрт, тој напишал и зборуваше за тешкотиите низ кои заработуваат за живот, за задоволување на јавна вљубен во минатото, и на барањата поставени од страна на практичните аспекти на премногу краток проби под tyrannic проводници. Сепак, за сите негови се жалат, тој одби да се откаже од својата професија, и на крајот на неговата музика може да направи повеќе за каузата од неговата проза.

Во 1947 година, за време на неговата посета на САД, Honegger доживеа својот прв напад на ангина, кои на крајот ќе стави крај на неговата кариера. И покрај тоа што во голема мера ослабен, тој продолжи компонирањето, а во почетокот на 1948 година прифатени провизија од г-ѓа Елизабета Sprague-Кулиџ, познат патрон на уметноста, да се напише Концертот da камера, или комора концерт. Во нејзината реализација, тој произведува врвен пример на 20-тиот век музика, кршење на обврзници на тоналитет, без дури и малку навреда увото на слушателот. Од мирно дисонанци на отворањето на жив акробации на конечниот движење, ова е

дело што, иронично, ќе биде токму она што Honegger се противи на: композиција која, со векови откако е напишана, ќе остане толку пријатно што го турка повеќе неодамнешните напори од концертната сцена.

© 1996, Геоф Куенинг

Едвард Мекдауел, 1861-1908. Сопствена бр.2, “ Индија, ”, Оп. 48. Завршено 1896 година, првиот настап 23 јануари 1896 година, во Бостон. Постигна гол за 2 флејти, Пиколо, 2 кларинети, 2 oboes, 2 bassoons, 4 рогови, 2 труби, 3 тромбони, туба, тимпани, бас тапани, чинели и жици.

Најпознат е по пијано дела, особено на дива ружа, американскиот композитор од 19 век Едвард Мекдауел е жал непознати за повеќето симфониски публика. Грешката не лежи во квалитетот на неговата музика, туку во несреќна тенденција на големи оркестри кои постојано програма популарни и познати дела, наместо на venturing во неистражена територија што, иако наградува, не може да се смета на за продажба на билети. поради што е двојно пријатна дека диригент Роберт Лосон го избра да ни донесе не само пријатно “ индиски ” Suite Мекдауел, но, исто така, на премиерата на новиот харфа концерт Роџер Ален Вард.

Иако Мекдауел не се вклопуваат во популарната слика на композиторот како чудо од дете, тој покажа рана интерес за музика, почнувајќи неформални часови по пијано на возраст од осум. Неговиот компонирање склоности наскоро дојде до израз, како што тој тенденција да се импровизира кога неговиот прв учител (пријател на семејството) е надвор од видното поле. По неколку години, тој почнал да го проучува со професионален пијанист, а на возраст од 15 години патувал во Европа со неговата мајка да се запишат на Парискиот конзерваториум. Тој остана на континентот повеќе од една деценија, проучувањето на разни познати музички училишта, заработуваат престижни позиции како инструктор (и, исто така, се одбиени за неколку должи на младоста, и покрај неговата очигледна талент), и се ожени еден од неговите ученици , американскиот Маријан Nevins.

Угледот Мекдауел се зголеми, голем број на американски музичари го храбреше да се врати дома, каде што бил убеден дека ќе донесе почит и експертиза за да се причина за американската музика. Така беше тоа што на MacDowells се пресели во Бостон во 1888 година Ова почна еден од најпродуктивните периоди на композиторот, која кулминираше со тоа што бил избран за основање на музиката оддел на Универзитетот Колумбија во почетокот на 1896 година.

Тоа беше во близина на крајот на периодот Бостон дека Мекдауел компонираше “ индиски ” Suite, првенствено врз основа на теми најде во музиката на Индијанците од североисточниот регион. Иако е малку игра денес, работата беше успех кај публиката и критичарите, се врши голем број на пати во годините по својот состав. Работата исто така, задоволни еден друг важен слушател: се Мекдауел, кој беше често критични на својот излез, призна дека во 1903 година “ на сите мојата музика, на `тажење ‘во` Индискиот “Suite ќе ми се допадне најмногу. Тоа влијае на мене длабоко и го направив кога бев пишување неа. Во него индиски жена се жали за смртта на нејзиниот син; но за мене, како што јас го напишав, тоа се чинеше да го изразат светска тага, а не е подробно тага. ”

© 1998, Геоф Куенинг

Густав Малер, 1860-1911. Песните на Wayfarer (песните на Wayfarer). Завршен во 1884 година (пијано верзија) и 1896 (оркестарски верзија), првиот настап во 1896 година во Берлин. Постигна гол за 3 флејти (3-ти удвојување пиколо), 2 oboes (2-ри удвојување на англиски рог), 3 кларинети (3-ти удвојување бас кларинет), 2 bassoons, 4 рогови, 2 труби, 3 тромбони, харфа, тимпани, бас тапани, кимвали, триаголник , glockenspiel и жици.

Во 1883 година, пејач именуваше Јохана Рихтер се појави како гостин во судот театар во Касел, Германија, каде што Густав Малер што диригент. Како резултат на овој ангажман таа влезе во редовна договор во театарот, и Густав Малер набрзо падна длабоко во љубов со неа. Аферата која не е успешно, иако, и до крајот на годината што по цело тело.

Младиот музичар олесни својата разочараност од страна на компонирањето циклус од четири песни на невозвратена љубов. Во писмото напишано кратко време по нивното завршување, тој кажува неговиот пријател Фридрих Lohr, “ … на никаква зборови не може да се пренесе дури и мал дел од [мојата љубов]. Песните се планира како целина, во потрага по начин не е ако осуден патуваат калфа сега поставува во светот и талка осамен. ”

Имајќи го олесни неговото срце со пишување поезија и музика, Малер чекаше повеќе од една деценија пред уредување на перформанси. Во меѓувреме, сепак, тој не ги заборави песни немавме го чини толку многу болка, за материјал од секоја појавува во почетокот на својата симфонии. Особено, Симфонија бр 1 (изведена во концерти теза товар пролет) се користи мелодии и оркестрации преземени речиси директно од товарот две движења на циклусот, додека вториот и четвртиот симфонии покаже повеќе суптилни влијанија од првите две.

Песните се подеднакво темно тон, кои ги рефлектираат отфрли и депресивно расположение Малер. Само втората песна има малку позитивен тон, па дури и го завршува со жалат за среќа се “ никогаш не може да цвета повторно. “” Сепак, како и повеќето отфрли млади љубовници, Малер крајот закрепна од неговата депресија, оставајќи ги само неговата музика како сведоштво за тоа колку болна, мора да се да се jilted на Божик.

© 1999, Геоф Куенинг

Густав Малер, 1860-1911. Симфонија бр 1 во г, “ Титан ”. Завршено 1888 година, првиот настап 20 ноември 1889 година, во Будимпешта, ќе се ревидира 1892-3. Постигна гол за 4 флејти (3-ти и 4-ти удвојување пиколо), 4 oboes (3-ти удвојување на англиски рог), 3 кларинети (3-ти удвојување на бас кларинет), Е рамен кларинет, 3 bassoons (3-ти удвојување contrabassoon), 7 рогови (плус опционални “ рог засилување ” во финалето движење), 4 труби, 3 тромбони, туба, тимпани (2 играчи), триаголник, кимвали, бас тапан, там-там, и жици.

Како и многу композитори кои ги поместуваше границите на нивната уметност, Густав Малер имаше големи потешкотии победи на одобрување на публика. Работа со огромен оркестарски сили сепак често пишува за само две или три инструменти во исто време, се протега од границите на традиционалните форми, и комбинирање на речиси бескраен изобилство на идеи со платно толку широка што во книгата на Гинис е наведена неговата меланхолична Трета симфонија на рекорди како најдолга некогаш напишани, излез Малер е често тешко да се сфати дури и по слушање. Тоа е затоа не изненадува, жално за потомство, дека во својот живот тој беше многу попозната како диригент од како композитор, и беше во можност да се посвети само своите лета за создавање на нова музика.

Во текот на петте години се потребни за да се компонира својата прва симфонија, Малер, исто така, работи на група од четири песни, лидовите eines fahrenden Gesellen или песни на Wayfarer, а некои од темите од овие песни се користат и во првиот и третиот движења на симфонијата. Оваа употреба на песната-како материјал беше карактеристика на Малер текот на својот живот, а тоа се постигнува со пријатен резултат што поголемиот дел од неговата музика остава слушателот полни со спомени од прекрасни мелодии кои се чини дека да се појави до бескрај, постојано изненадува со по инвентивност.

Малер не се ограничи на свои песни: folksong и традиционални танци, исто така, фер игра, како и Првата симфонија содржи еден од најпознатите примери, поставување на Frere Жак во непознат мали клуч, кој има тенденција да го напушти концертот истовремено смути и заинтригира . (Патем, првото појавување на оваа тема на бас стрингот е толку тешко да се игра добро дека тоа стана стандард услов во аудиции. Гледајте внимателно на самиот почеток на третиот движење, и ќе бидете во можност да се види како музичар мора да буквално се водат за да се постигне белешки кои се во границите на нормалата на виола, а не на бас.)

Како што ќе стане случај за повеќето од неговите идни симфонии, Прво Малер не е особено добро примени во својата премиера. Имаше и такви кои веднаш сфати музиката и други кои го мразеше, па жив контроверзност стана речиси веднаш по финалето белешки згаснато. Во писмото до неговиот пријател Арнолд Берлинер, Малер ја опиша својата рецепција, како “ мешавина од бесен неодобрување и најлуда аплауз .– Тоа е смешен да се слушне на судир на мислења на улица и во гостинска соби. ” Но, инструменталистите кој го врши, мудар музичари кои што беа, очигледно немаше проблеми восприемање на трајна вредност на работата: во истото писмо, Малер коментира, “ оркестар ретроспективно исклучително задоволен со симфониски како резултат на барел бесплатно пиво “.

© 1998, Геоф Куенинг

Густав Малер, 1860-1911. Adagietto од Симфонијата број 5 во C остри малолетно лице. Завршено 1902 година, првиот настап 18 Октомври, 1904 година во Келн (Келн). Целосната симфонија се постигна за голем оркестар, но Adagietto се постигна за харфа и само низи.

Како и Леонард Бернштајн по него, врвен способности Густав Малер за состав беа погодени со неговата огромна успех како диригент. Во својата позиција како капелмајстор на Судот опера во Виена, која тој ја задржал десет години, почнувајќи од 1897 година, Малер бил принуден да се посвети поголемиот дел од годината за своите обврски со таа организација, и може само да се посвети на составот во текот на летниот одмор во австриските Алпи. Сепак, тој успеа да заврши девет од најголемите симфонии некогаш замислени, плус голем број на песни и две други големи оркестарски дела.

Малер почна да работи на својот Петтата симфонија во 1901 година, веднаш по доаѓањето во близина на смрт поради тешка крварење. Симфонија одразува тоа искуство во бурна, меланхолија движење отвор (кои, не случајно, плаќа јасно почит во првиот ритамот на Бетовен е Петтата симфонија). Сепак, таа го наоѓа својот пат низ комплекс од емоции триумфално финале, која е една од најпознатите воодушевувачки во сите романтизам.

Пред финале, познатиот Adagietto ( “ малку адаџо ”) се дава краток одмор за слушателот да размислуваат и да се релаксира, по емоционална пресврт на првите три движења. Сигурно на повеќето прекрасна музика на композиторот некогаш се постави на хартија, тоа служи како можеби најголем пример за владеење на оркестрацијата Малер. Поголемиот дел од оркестарот е останале без работа, туку од изборот на конвенционалните низа ансамбл, тој додава еден харфа да им обезбеди на поддршка на движење на мрзеливо зголемените мелодија. Оваа едноставна промена е чиста генијалност, за производство на звучност, која никогаш не се исти пред или по. Затворање на очите и опуштање во концертната сала, еден лесно може да се замисли мирно зајдисонце во планините на композиторот сакаше, со совршен крај на осаменоста на ден и последната вистинска среќа тој ќе знае.

© 1994, Геоф Куенинг

Феликс Менделсон-Бартолди, 1809-1847. Увертира, “ Хебриди, или Фингал пештера “, Оп. 26. Завршено 16 Декември, 1830 година, ќе се ревидира 20 јуни 1832, првиот настап 14 мај 1832 година, во Лондон. Постигна гол за 2 секој флејти, oboes, кларинети, bassoons, рогови, и труби, тимпани, и жици.

Во XIX век било вообичаено за богатите млади луѓе да преземе “ Гранд Тур ” на Европа да се здобијат со перспектива и култура. турнеја Менделсон траеше четири години, земајќи го преку секоја голема земја и град од времето. Неговата прва станица беше во Лондон, неговата втора Шкотска, каде што посети Хебриди и реномирани пештерата Фингал е. Неверојатно импресиониран од убавината и бескрајноста на местото, тој брзо jotted надолу она што ќе стане отворање забелешки на Overture, вклучувајќи ги во едно писмо до дома напишано дека истата вечер.

Повеќе од една година ќе помине пред композиторот конечно заврши увертира, привремено насловен “ Умри einsame Инсел, ” или ” Островот осамен, ” и уште еден пред таа да може да се изврши. (Тоа е среќна за историја што го вклучуваат воведувањето во своето писмо, или ние може да се меша тоа за една од оние ситуации каде композитор пишува ” чиста ” музика и издавач подоцна се однесува препреки титула, како што се случи со Бетовен “ месечината ” Соната, меѓу многу други работи, навистина, конечниот наслов е далеку повеќе АП од привремената еден).

Највпечатливо карактеристика на која увертира е неговата успешна тон-сликарство. Ние може да се слушне на кршење на бранови, да ги види базалт колумни и чудни бои, а пред се доживее со огромно пространство на пештера. Многу композитори, пред и по, го користат музика да го прикаже на физичкиот свет, но во пештерата Фингал е, Менделсон пример што никогаш не се изедначи.

© 1996, Геоф Куенинг

Феликс Менделсон-Бартолди, 1809-1847. Концерт во Е Мала за виолина и оркестар, Оп. 64. Завршено 1844 година, првиот настап 13 Март 1845 година, во Лајпциг. Постигна гол за 2 секој флејти, oboes, кларинети, bassoons, рогови, и труби, тимпани, и жици.

Менделсон Концертот за виолина има историја на соработка со дете prodigies. Првиот е на самиот композитор, кој се појави во јавноста, на возраст од 9 и почна зачувување на неговите композиции во 11. Неговите родители охрабруваат богата музичко образование (повеќе во интерес на производство на култивирани син на богато семејство отколку во негувањето на кариера во уметноста), и импровизиран концерти комората биле вообичаени во домот. На 16 години, Менделсон беше доволно напредни за да напишете незаборавни својот Октет, Оп. 20, една од најдобрите работи што некогаш произведени.

Истата година, тој се сретна со зголемувањето на 15-годишниот виолинист Фердинанд Давид, кој веќе се појави како солист во познатиот Лајпциг Гевандхаус, сала која требаше да доминира во развојот на концерт. Двете брзо станале блиски пријатели, и да се одржува контакт преку постојан прилив на писма кои се развиени на нивните кариери.

Во 1836 година, Менделсон беше назначен диригент на оркестарот Гевандхаус Лајпциг и побара Дејвид да биде избран како лидер, или концерт. Менделсон наскоро почна да размислува за пишување на концерт да ја покажат талентот на својот пријател. Во 1838 година тој го предложи ова во писмо, ја одбрани клуч и веќе мислев на мелодија на отворањето, па дури и се жали дека не може да го добие од својот ум. Други обврски интервенираше, сепак, и работата не е завршена уште шест години.

Концертот беше голем успех на нејзиниот извор премиера, и беше монтиран повторно следната есен. За еден месец по оваа втора изведба, Клара Шуман беше закажана да се игра нејзиниот сопруг концерт за пијано на Роберт во Дрезден, но се разболе и беше во можност да се земе на сцената. Фердинанд Хилер, диригент, заменет на Концертот за виолина Феликс Менделсон. Давид имаше досегашниот ангажман, сепак, и испрати ученик кој бил проучување на работата наместо него. Третиот чудо, 14-годишниот Јозеф Јоаким, мајсторски изведена во оваа прошетка, почнувајќи кариера што требаше да го неприкосновен крал на виолинисти од 19 век се направи.

Од Јоаким, ова дело се користи за да се воведе многу талентирани млади свирач. Сепак, овој факт не треба да доведе до заклучок дека на концертот е лесно да се исполни. Напротив, честите виртуоз пасуси обезбеди многу можности за младата ѕвезда да ја покажат својата или нејзината техника, додека лирика на парче брзо ќе се открие извршителот таленти на изведувачот.

Како Моцарт, Менделсон имал специјален подарок за мелодија. Тоа е лесно да се види зошто темата на отворањето нема да ги остави своите мисли, за тоа е како незаборавни како што е убава. Оркестрацијата на првиот движење генерално е јасна, со цел да ја покажат виолинистот наместо да победат на слушателот со комплексност. Тоа е вреди да се слуша внимателно за особено прозрачна точка каде Менделсон зема идејата за поедноставување на граница (предвести комора-како стил Малер) со намалување на инструменти со едноставен кларинет-и-флејта мелодија додека солист има бесконечен забелешка на најниска стринг.

А постојан тон на фагот води беспрекорно во втората движење, се карактеризира со ниша, лирска тема во времето. Во средниот дел може повторно да го цениме тежината на соло дел, во кој се користи двојно запира за да го придружува својот сопствен бавно тема со потискано на вознемирен шеснаесеттини.

Конечниот движење плаќа соодветна почит на виртуоз традицијата на концерт, прикажување на пловни теми во таква опасна брзина дека солист чини дека играат двојно повеќе белешки, како секој пар на други инструменти во комбинација. Ова движење е структурирана на “ прашање и одговор ”, заедно со виолина и оркестар тргување жив идеи и предизвици и назад со постојано монтирање радост се додека не конечно маршал своите сили за да се договорат за крајната изјава која остава џагорливите публиката повеќе.

© 1994, Геоф Куенинг

Волфганг Амадеус Моцарт, 1756-1791. Концертот број 4 во Е дур за Хорн и оркестар, К. 495. Завршено 26 јуни, 1786. постигна гол за 2 oboes, по желба фагот, 2 рогови, соло рог, и жици.

Во својот краток живот, Моцарт успеа да го совладате речиси секоја позната музичка форма, вклучувајќи симфонии, опери, песни, камерна музика, а секако и концерти за солисти во придружба на оркестар. Композиторот напиша пијано концерти за себе, туку и за другите инструменти што беше зависи од способностите на неговиот Виена колеги.

Сите рог концерти на Моцарт, напишано е за Ignaz Leitgeb (или Leutgeb), на Салцбург роден hornist од значителна талент. Двајцата музичари очигледно имал многу пријателски односи, бидејќи концерти се исполнети со шеги: настава во Првата гласи ” храброст ”, а четвртата е напишана со разнобојни мастила, очигледно во обид да штракаат на изведувач!. Како и неговите претходници, на четвртиот концерт е виртуоз на возилото, која им овозможува на солистот да се покаже на различни способности. Во финалето движење “ лов ”, дури и модерен играч со предностите на најновите вентил технологија ќе биде тешко притисне да се остане во чекор со музички барања измислена пред 200 години од страна на мајсторот melodist кој само сакаше да имаат малку забава со добар пријател.

© 1999, Геоф Куенинг

Волфганг Амадеус Моцарт, 1756-1791. Симфонија бр 40 во Г-мол, К. 550. Завршено 25 јули 1788 година; постигна гол за флејта, 2 oboes, 2 кларинети, 2 bassoons, 2 рогови, и жици.

Сликата на осиромашените уметник полека прегладнети до смрт, неговите способности игнорирани од страна на не цени маси, е толку врежано во нашата литература и култура што понекогаш се чини дека тоа мора да биде изработка, измислен од страна на неталентирани да го објаснат нивниот недостаток на успех. Секако има многу случаи на надарени мажи (и неколку просечни оние) кои во најмала рака се поддржани удобно, а во најдобар случај станаа богати и популарни во нивните животи.

Сепак, историјата на музиката е исто така полн со приказни за композитори кој не може да најде публиката, која мораше да се избере помеѓу создавање и јадење, и кои исчезнаа без денар во чантата нивниот, само да го остави зад себе дела што ќе го направи своето име синоним големина долг по нивната смрт. Од нив, никој не е пострашно од приказна на Моцарт, кој постигна популарноста, но никогаш не може да ги плати долговите и ретко дури и знаеше како ќе купите вечера својата.

Во летото 1788 година беше една од најлошите пати на веќе познатиот композитор. Иако тој беше заработуваат мала плата во замена за да му служи на царот Јозеф II, тој се уште е далеку зад финансиски, и мораше да се напише heartbreakingly очајна писмо до еден близок пријател, Мајкл Puchberg, да моли за пари. (Puchberg помогна, но не може да го спаси, а Моцарт не ќе се врати на солидна основа во остатокот на својот краток живот.)

И покрај овие тешкотии, на пенкало што го произвела толку многу убави мелодии беше тешко на работа. Дури и додека го пишувам многу други мали работи, господар составен неговите последни три симфонии во простор од можеби 10 недели. Но, и покрај брзината со која што работел, овие не се шамар цртичка збирки на секојдневието. Напротив, сите се извонредни дела, полни со пронајдокот уште структуриран така што токму тие служат како наставни материјали за сите следни генерации. Во средината на три, на 40-то, се чини дека да се интегрираат сопствена несреќа на Моцарт во неговите околности во неговите движења отворање, но во финишот еруптира со незадржлив ebullience што ја карактеризира толку многу на неговата музика и кој ја донесе толку многу радост на оние кои имаат претрпе многу помалку отколку тој.

© 1996, Геоф Куенинг

Модест Мусоргски, 1839-1881. Слики од изложба, оркестрирано од Морис Равел. Завршено 1874 (Мусоргски) и 1922 година (Равел). Постигна гол за 3 флејти (3-ти удвојување пиколо), 2 oboes (2-ри удвојување на англиски рог), 2 кларинети, бас кларинет, 2 bassoons, contrabassoon, алт саксофон, 4 рогови, 3 труби, 3 тромбони, туба, тимпани, glockenspiel, камбани триаголник, там-там, штракаат, камшик, кимвал, примка тапани, бас тапан, ксилофон celesta, харфа, и жици.

Еден од најблиските другари Модест Мусоргски беше Виктор Хартман, архитект и повремени сликар. Мусоргски беше уништен од прерана смрт Хартман на возраст од 39. Неговата болка е зголемен за вина, затоа што тој е одење со Хартман неколку недели порано кога уметникот беше принуден да се запре и да се одморите од ѕид, и Мусоргски се преправала дека ништо не е во ред за страв од застрашувачки неговиот пријател.

Следната година (1874), изложба беше организирана во чест на Хартман, и посета на Мусоргски за тоа шоу стана најпознат галерија прошетка на сите времиња, Слики од изложба. Ова маестрално пијано сопствена илустрира десет слики Хартман, со периодични “ тема Шеталиштето ” за да се илустрира напредокот на гледачот од сликарство сликарство.

Сепак, собирање на Мусоргски има малку позната тајна: на илустрирани десет слики, само три всушност се појави на изложбата што тој присуствуваше: балет на Unhatched муда (од костим дизајн), хижа Баба Yaga, и на голема врата на Киев (од дизајн кој никогаш не бил изграден). Од другите, повеќето беа базирани на молив цртежи, некои од приватна колекција Мусоргски, а други пак дека го видел на друго место. Гном е за дизајнирање на Оревокршачка играчка; Tuileries беше сцена на празен градина (без скарани деца); Bydlo (полски за “ добиток ”) е веројатно цртеж на воловската; Самуел Голденберг и Schmuyle се посебни цртежи; и катакомбите биле малку нереален цртеж што сликата на уметникот во Париз гробови. Конечно, две слики (стариот замок и место на пазарот во Лимож) се чини дека е измислен од страна на композиторот од целиот крпа.

Сега доаѓаме до Равел, господар orchestrater. пишување пијано Мусоргски во сопствена е питорескноста може да биде, постигнување на мистерија, бес, хумор, и величественост. Тоа е работа која извикува за оркестарски бои, како и неколку последователни композитори биле во можност да се спротивстави на предизвик. Првиот се чини дека е руски Toushmalov, но најголема аранжман е несомнено Равел е. Еден човек кој ќе поминуваат часови интервјуирање инструменталисти да се откријат нови можности, но кој имаше талент за апсорпција на различни стилови, тој е совршен кандидат за да го вклучите сопствена пијано концерт во сала showpiece а. Во секое движење, го избрал токму вистинската комбинација на инструменти потребни за да се дуплираат оригинална атмосфера Мусоргски, што се издига на големата и славна финале, која остава слушателот чувство како тој патувал во Киев конкретно да застане пред тој величествен, трагично непостоечки портата .

© 1999, Геоф Куенинг

Модест Мусоргски, 1839-1881. Скерцо во Б дур. Завршено 1858 година, првиот настап 1860 година, во Санкт Петербург. Постигна гол за 2 флејти, 2 oboes, 2 кларинети, 2 bassoons, 2 рогови, 2 труби, 3 тромбони, тимпани, и жици.

Во 1856 година, на млад благородник Мусоргски следи традицијата на неговото семејство со пополнување питомец школа и се приклучи на Преображенски гарда да им служи на својата земја. Тој беше офицер растрчани, и беше многу популарен во високото општество на Санкт Петербург, каде што ја воодушеви дами со пијано неговата игра. Во текот на следната зима, офицер колеги го воведе во кругот на композитори, од кои еден бил истакнатиот Mili Балакирев. Оваа прилично надмоќно човек се Мусоргски (и многу други) под своја закрила и настојуваа да се охрабрат и да влијаат на нивната музичка кариера. Мусоргски наскоро почна да се обидува својата рака во пишување музика, производство на различни мали парчиња.

Еден од омилените форми на композиторот постариот беше скерцо, кој обично е краток, lighthearted композиција во многу брзо темпо. Балакирев мислев дека тоа е особено поучни форма, и често се препорачува дека неговите следбеници ги испробаат своите раце на него. Мусоргски произведе двајца од нив во 1858 година, по еден во Б дур и еден во C остри малолетно лице. И двете се релативно безначајни дела, генериран главно вежби, и само на Б рамен работа биле оркестрирани и изведена. Тоа беше прв пат работна Мусоргски бил сослушан од страна на јавноста.

Сега веќе заборавени композитор / критичар Александар Серов имаше чест на пишувањето на првиот преглед на парче Мусоргски. Тој го најде тоа “ капитал (иако премногу кратко) … Тоа покажува одлучи талент на дел од младиот композитор ” Тој е точно:. Скерцо иако никогаш не беше објавен во текот на животот Мусоргски, тој набргу потоа замина на воена и отиде за да стане еден од гигантите на руската музика.

© 1997, Геоф Куенинг

Карл Нилсен, 1865-1931. Симфонија број 5, Оп. 50. Завршено 1922 година, првиот настап 24 јануари, 1922 година постигна гол за 3 флејти, 2 oboes, 2 кларинети, 2 фагот, contrabassoon, 4 рогови, 3 труби, 3 тромбони, туба, тимпани, ударни инструменти, и жици.

Данскиот композиторот Карл Нилсен, иако малку познати за пошироката јавност, е веројатно една од најважните сили во развојот на модерната симфонија. доволно стари за да се сретнале и се под влијание на Брамс, севкупното романтични, и доволно за да имаат влијание на Дмитри Шостакович, кои носеа знамето на симфонија од 20 век во 70-те млади, музика Nielsen кој се протега на границата помеѓу романтизмот и модернизмот, носи неговото срце на ракавот додека туркање на границите на формата и тоналитет.

Во 1920, Европа сè уште се опоравува од последиците на Првата светска војна. Иако Данска не беше директно вклучени во конфликтот, тоа беше невозможно за Дане како светско Нилсен да се игнорира ужасите кои биле нанесени врз континентот. Неговиот Петтата симфонија е одраз на овие впечатоци, направен е обид да се фати на вроден судир меѓу човекот подобро инстинкти и склоноста кон зло. Тој го избрал форма на две-движење, коментирајќи дека иако тоа е релативно лесно за композитор да се напише првите три движења на традиционалната симфонија, многумина “ испушти ” во финале. Ова беше прилично чудно позиција, со оглед и својот успех во четвртата и фактот дека конечната движење на самиот Петтата содржи воодушевувачки заклучок.

формираат два-движење наведени во резултатот е измамен, по петти навистина се поделени во четири различни делови, по две во секоја движење. Отворање мрачно и тивко, алудирајќи на тоа што на крајот ќе доведе до повеќето меланхолија стил Шостакович, првиот движење измислува она што е уште еден од најпознатите неверојатни уреди сите музиката, замка тапанар кој постојано го прекинува и конечно ќе биде наложено да се “ импровизира како ако воопшто трошоци што тој сака да го запрат напредокот на оркестарот. ” Но, тапанарот на крајот, е вовлечен во кулминација, а потоа исчезнува во далечината, поразен од суштината на човештвото. Вториот движење гради подалеку од овој резултат, со музиката на крајот достигна неверојатни пропорции и наоѓање на својот пат кон светлината за да го изразат вроден оптимизам и љубов Нилсен за човечката раса.

© 1995, Геоф Куенинг

Николо Паганини, 1782-1840. Концертот број 1 во Е дур за виолина и оркестар, Оп. 6 (Прво движење). Постигна гол за 2 секој флејти, oboes, кларинети, bassoons, рогови, и труби, 3 тромбони, тимпани, чинели, бас тапан, и жици.

Историјата е полна со приказни за музичари кои се специјализирани во блескави својата публика, но можеби нема толку технички импресивен како Николо Паганини, кој беше толку талентирани дека некои слушатели помислив дека мора да се направи пакт со ѓаволот. Според современите сметки, тој беше во можност да се направи неговата виолина звучи како различни инструменти ветер, човечки гласови, па дури и магаре. Тој често се користи гитара да се најдат интересни звучни акорди кои потоа ќе ја пренесе до примарна инструментот. Тој измислил многу извонредни техники, како што левата рака pizzicato, која од станаа стандард.

Паганини, прво и основно на севкупното шоумен, специјализирана за пријатен народот. А омилен трик е да им овозможат на виолина со својот стар и излитен конец, така што тоа ќе се скрши во средината на една претстава. Тој потоа ќе заврши делото на преостанатите три жици, да громогласен аплауз.

Секогаш внимателно да се задржи неговата репутација за неспоредлив техничка вештина, Паганини сочинуваат бројни дела со цел да се покаже на најдобар предност, но е дозволено само неколку се објавени, плашејќи се дека со тоа ќе се открие неговите најважни тајни. И покрај тоа што беше составен во периодот помеѓу 1811 и 1815 година, на првиот концерт не е објавена, додека по неговата смрт во 1840 година.

Во форма, Концерт потсетува оние од композитори од антиката, особено Моцарт, наместо на повеќе современи дела од Бетовен. Оркестарски вовед е толку долго што го остава гледачот се прашувам дали можеби солист е таму само за декорација. Откако виолината влегува, сепак, постои веднаш не станува збор за неговата вистинска намена. Концертот не може да биде најмногу музички инвентивни некогаш напишани, но не станува збор за можностите што ги дава млад виртуоз за прикажување техничка моќ. Скокајќи веднаш во екстремно високи ноти, блескавата арпеџа, и прст-извртување chordal пасуси, го остава повеќето слушатели заслепени од очигледни тешкотии, додека искусни гудачи зјаат и несвесно масажа на левата рака.

© 1995, Геоф Куенинг

Сергеј Рахмањинов, 1873-1943. Концертот бр.2 во C Мала за пијано и оркестар, Op.18. Завршено 1901 година, првиот настап 27 Октомври, 1901 година во Москва. Постигна гол за 2 секој флејти, oboes, кларинети и bassoons, 4 рогови, 2 труби, 3 тромбони, туба, тимпани, кимвали, бас тапан, соло пијано, и жици.
Уште од времето на успехот на Академијата-наградуваниот филм заблеска во 1996 година, т.н. “ Rach 3 ” е неизбришливо врежани во јавното мислење како “ на ” пијано концерт Рахмањинов. Сепак, речиси еден век тоа беше на претходната работа, Другиот, кои постојано го освои признанија и маѓепса публиката, и борбата на композиторот да го заврши тој концерт е сигурно како фасцинантен како онаа на Дејвид Helfgott, пијанистот во центарот на Блесок, да господар на Третиот Свет.

тешкотии Сергеј Рахмањинов започна во 1897 година, кога неговиот ново заврши Првата симфонија беше жестоко го осуди од страна на критичарите и еден дури и сугерираше дека работата може да се произведени од “ конзерваториум во пеколот. “” Младиот човек бил разрушен, како и за неколку години имаше големи тешкотии се однесуваат на неговата работа. Во исто време, тој беше борат финансиски, ситуација не помогна со фактот дека неговиот издавач пропушти да се добие меѓународна авторските права на многу популарниот Предигра во C остар Мала, така што тоа беше репродуцира неселективно во Велика Британија и USwithout соодветна исплата.

Работите конечно дојдоа до главата во јануари 1900 година, кога на композиторот посети Лав Толстој. Рахмањинов свирел пијано за легендарниот писател, кој реагираше со зборовите: “ Кажи ми, како музика потребни од страна на некој? … Јас да ви кажам колку ми се допаѓа сето тоа! … Бетовен е глупост, Пушкин и Лермонтов, исто така, . ”

“ Тоа беше ужасно “,” се сеќава Рахмањинов. Подоцна во текот на вечерта, Толстој се извини. ” Ве молам, извинете, ”, рече тој. “ Јас сум стар човек. Јас не значи да ти наштети. ” Забелешката Рахмањинов беше брз. “ Како би можел да биде повреден на мојата сопствена сметка, ако не беше повреден на Бетовен? “” Сепак, тој отиде во длабока депресија и престана да компонира целосно.

Неговите братучеди, со која имал блиски односи, го наговори да видат еден познаник на нивни, Dr.Nikolai Дал. Дал, и самиот аматерски музичар, стана заинтересирани за хипноза и го посвети неговата практика на него. Тој во комбинација таа техника со пријатен и интелигентни разговори за музика и Рахмањинов започна да се подобрува брзо. До летото тој ја започна на новиот концерт. Сега во напредуваше брзо, а до крајот на оваа година играше во последните две движења на концерт во декември во Москва. Потоа се сврте кон првиот движење, со драматични и нерасположено отворање акорди, и многу брзо го заврши.

За разлика од тоа на симфонијата, на премиерата на Вториот концерт (посветен на Дал) беше успешен, и тоа брзо стана главен во концертни сали насекаде, и иако Блесок донесе многу добро заслуженото внимание на Трето, постои мало сомневање дека порано парче наскоро ќе се врати на своето вистинско место во срцата на публиката секаде.

© 2000, Геоф Куенинг

Морис Равел, 1875-1937. Le Tombeau де Купрен. Завршено 1917 (пијано верзија), 1918 година (оркестарски верзија); Првиот настап април, 1919 година, во Париз. Постигна гол за 2 флејта, обоа, англиски рог, 2 кларинети, 2 bassoons, 2 рогови, труба, хармоника, и жици.

Во август 1914 година, кога Првата Светска Војна во Европа, Морис Равел беше горко разочаран кога разбрав дека тој бил неспособен за воена служба. Тој компензира со волонтерската работа да се грижи за повредени, но не се откажат компонирањето неговиот. Едно од нив работел за време на тој период беше планирана Францускиот Suite – не е напишана на патриотска содржина, туку едноставно како колекција на француски вкус движења. На сопствена крајот падна од страна на патот, сепак, и беше заборавена повеќе од две години.

Во текот на летото на 1917 година, Равел се вратил во Нормандија во надеж дека на враќање не неговата здравствена состојба и се опоравува од смртта на мајка си, кој починал на претходниот јануари. Додека е таму, тој се врати во француската Suite. Во чест на паднатите борци тој се грижи за, тој retitled Le Tombeau де Купрен (буквално, Купрен гроб, по Франсоа Купрен, композитор од 17 век кои Равел избра да претставуваат француската нација.

Работата беше планирано да биде премиерно веднаш во Париз, но бомбардирањето замеша и предизвика претставата да биде одложена. Додека тој е на чекање за тоа да биде презакажана, Равел не можеше да одолее организирање на четири од движења (еднаш рече “ За мене, оркестрација е поголем простор отколку работа ”).

Кога парче пијано конечно беше претставен на јавноста, тоа беше голем успех, и покрај неизбежните naysayer, умен критичар, кој напишал: “ Купрен гроб од Monsieur Равел, тоа е убаво. Но, колку поубаво ќе биде Гробот Равел страна Купрен! “” Како и М. Равел, ние ќе го оставиме тоа за публиката да се одлучи помеѓу критичар и неговата цел, со целосна доверба во однос на исходот.

© 1999, Геоф Куенинг

Морис Равел, 1875-1937. Концерт во Г-дур за пијано и оркестар. Завршено 1931 година, првиот настап јануари 14, 1932, во Париз. Постигна гол за соло пијано, 2 флејти (2-ри удвојување пиколо), 2 oboes (2-ри удвојување на англиски рог), кларинет, Е рамен кларинет, 2 bassoons, 2 рогови, труба, тромбон, триаголник, примка тапани, кимвали, бас тапан, tam- там, дрво блок, камшик, тимпани, харфа, и жици.

Падот на Морис Равел беше една од најтрагичните во аналите на историјата на музиката. познат глувост Бетовен, иако болки, не го спречи да компонирање музика во главата. зголемување на слепило Бах уште е дозволено нови работи кои треба да се диктирани семејство. Но, болест на мозокот Равел го остави луциден уште беспомошни, не можеше да пишува, зборува, или да игра инструмент, полн со идеи уште без начин да го споделат.

Во 1929 година, уште здрав и откако конечно ја стекна популарност преку балетот Болеро и финансиски успех преку американска турнеја, Равел во собата да се создаде долг одложи пијано концерт за себе. Работата ќе биде пример и за неговата извонредна виртуозност и компонирање неговите таленти. Некои од материјал дојде од напуштени дела од една деценија пред тоа, додека другите делови се под силно влијание на џез полуда дека тогаш беше убедливо на светот.

Да се ​​подготви за предвидените премиера, Равел и поминуваше долги часови по пијано, играјќи етиди од Шопен и Лист. Тој беше среќно пишување и вежбање, кога тој беше принуден да престане да присуствува на фестивал во негова чест. Пишување на пријателите за тоа, рече тој,

Во средината на бременоста со концерт (јас сум во фаза на фрлање) одеднаш сум повикан да Бијариц. Мора да го виделе билборди дизајниран од страна на Fugita [познатиот јапонски сликар] најавува “ Le grand фестивал де Морис Равел. ” Двесте франци за еден билет! Тоа е среќна поради тоа што може да се добие во “ на куќата. ”
Овој прекин беше краток, но друг ќе му го одвлече вниманието подолго. Австрискиот пијанист Пол Витгенштајн, кој го беше загубил десната рака во текот на Првата светска војна, Равел побара да се напише Концерт за само левата рака. Равел се согласи, и работата што произведуваат е несомнено најпознат на сите работи од левата страна овластена од страна на Витгенштајн.

И покрај малку спиење и многу маратон компонирањето сесии, одвраќање на Комисијата одложено завршување на сопствено возило до крајот на 1931 година До тогаш, сепак, болест која на крајот ќе го убие него имаше влијание врз него доволно дека тој не може да се справат со предизвиците на тастатура, па тој беше принуден да се спогоди за спроведување на премиера, која се игра од страна на Маргарет Лонг.

тумор на мозокот Равел (ако тоа беше тоа) може да се влошува од страна на сообраќајна несреќа во 1932 година, во која тој го удри со главата сериозно. Во секој случај, болеста напредува толку брзо дека тој заврши само уште една работа, циклус песни на оваа тема на Дон Кихот, пред да биде принуден да се пензионира. Тој страдал од двете афазија (нарушување на говорот) и оштетување на моторот што предизвика апсурди како што се поставување на натпревар во устата и се обидува да ја запали со цигара. Како што ако тоа не беа доволно тортура, неговата ментална острина беше под влијание, така што тој бил целосно свесен за смешен своите постапки, иако тој не беше во можност да ги контролираат.

Композиторот преживеа шест години по првата изведба на маестралната неговиот концерт, не реагира на третман. Конечно, во очај, лекарите се обиделе хирургија. Операцијата беше неуспешен, и Равел траеше само осум повеќе дена во кома пред да подлегне на болка кои ограбувале светот на еден од најплодните и забавни композитори некогаш ни го дал.

© 1996, Геоф Куенинг

Николај Римски-Корсаков, 1844-1908. Симфониски Suite, Шехерезада, Оп. 35. Завршено 7 август, 1888 година, првиот настап 15 декември 1888, во Санкт Петербург. Постигна гол за 2 флејти, Пиколо, 2 oboes, 2 кларинети, 2 bassoons, 4 рогови, 2 труби, 2 тромбони, бас тромбон, туба, тимпани, триаголник, дајрето, големи и мали примка тапани, бас тапани, кимвали, там-там , харфа, и жици.

Николај Римски-Корсаков почна својот живот како морнар, ја продолжи семејната традиција од страна да стане кадет во Кралскиот Руската морнарица на тендерот возраст од дванаесет години. Иако момчето беше изложен на аматерски музички одлуки, па дури и некои часови по пијано во неговите рани години, тој се покажа многу повеќе интерес во наставни предмети од уметноста. Во Санкт Петербург, додека уште еден кадет, го слушна својата прва опера, кој развива подлабоко благодарност за музика во момчето. Но, иако тој се најде време за некои ограничена обука, помина џебот пари на оценките за студирање, па дури и почна да работи на она што подоцна ќе биде првиот руски симфонија, тој одлучи дека поморската кариера ќе обезбеди посигурен живот и се најде себеси доделен на пловидбата параход Almaz, на која тој помина три години да им помогне за понатамошно руските интереси во Европа и Америка.

На крајот, како што знаеме, Римски-Корсаков се сврте кон состав како кариера со полно работно време, но неговата реализација е бавен и извртено. Тој тврди неговата врска со морнарицата за над 25 години, кои служат за повеќето од тоа време, како инспектор на поморски бендови, позиција која е создадена за него и која тој извршува со нетрпение и добро, и покрај тоа, кога тој беше назначен, тој не знае ништо бенд инструменти. (Тој не губеа време за учење за нив, сепак, и тоа е типичен претставник на човекот дека тој самиот научил доволно за оркестрација да се напише класичен текст на оваа тема, иако тој беше сосема неуки за тоа кога тој ја започна својата прва симфонија. )

Во 1883 година, Римски-Корсаков прифатени профитабилен позиција како помошник музички директор на Кралскиот капела, но брзо стана досадно со својата нова работа и се здоби со долги суви магија, за производство на многу малку до 1887 година, кога Александар Бородин умре. Поттикнати од потребата за завршување на операта на својот пријател Кнез Игор, тој се врати во својата работа со полно работно сила, а наскоро произведено некои од неговите најпознати дела, вклучувајќи Шехерезада.

Иако работата и неговите одделни делови носат програмски наслови, и композиторот првично напиша воведен сценарио, тој подоцна изјави дека не се обидел да се наслика било која специфична слики, туку им посака на насловот за да само водич вниманието на слушателот во општите насоки во кој неговите сопствени дојдено. Сепак, два периодични теми, и воведе во првите неколку мерки, вреди да се посвети посебно внимание. Делото почнува со дворци мотив во ниска месинг, што претставува незадоволен султан кој вети дека ќе ги убие секоја жена, тој се венча, додека тој беше воодушевена од приказни Шехерезада. (Римски-Корсаков чинеше дека еден од неговите најдобри оркестарски ефекти беше постигнат од страна на молчење на големата пауза тој што се крши овој краток премин пред крајот, а тоа е вреди да се размислува колку помалку заканувачки тоа ќе звучи без таа пауза и на двата белешки кои го следат.)

Веднаш по тема на султанот, речиси го прекинувате тоа, е нежен и страстен виолина соло, кој претставува себеси, сигурно принцезата еден од најубавите мелодии некогаш напиша. Слушање на овие две теми, и занесната музика приказни Шехерезада која ни пренесува телесни во магијата на 1001 Приказни од Арапскиот ноќи, само еден може да сакаат дека Римски-Корсаков имал време да се произведе поставки за други 997.

© 1995, Геоф Куенинг

Хоакин Родриго, 1902-1999. Concierto во Modo Galante. Завршено 1949 година, првиот настап 1949 година, во Мадрид. Постигна гол за соло виолончело, 2 секој флејти, oboes, кларинети, bassoons, рогови, и труби, и жици.

Шпанскиот композитор Хоакин Родриго е најпознат во оваа земја за неговата гитара, концерти, особено на Concierto де Aranjuez и Фантазија став ОН gentilhombre, што е соодветно, бидејќи формуларот за концерт отсекогаш бил еден од неговите специјалитети. До денес, тој го напишал дванаесет дела во форма, иако тоа е опасно да се цитираат точен број бидејќи дури и на 94 тој продолжува да произведува нови материјали, можеби бидејќи не успеа да се забележи дека тој достигна респектабилна возраст за пензионирање, дури и пред човекот одеше на месечината.

Иако концерти Родриго се доминирана од страна на гитара, тие, исто така, вклучуваат работи за флејта, пијано, хармоника, и ‘виолончело. Галантен Концертот е првиот од двата за вториот инструмент, напишана по барање на Гаспар Cassadó, кој вети дека композиторот, “ Јас би го игра секаде, јас би го сними, а јас ќе се види дека тоа беше објавен во Париз. ” Родриго траеше само неколку месеци за да се исполни барањето, и кога го слушна теми, Cassadó нудат да се напише на резултатот од себе диктат (композиторот, слепи на возраст од три, зависи од други да ги извршат своите дела на хартија ). Во текот на летото на 1949 година, двете често ќе работат заедно до раните утрински часови, а понекогаш и со свеќи поради ограничувања на моќта.

По премиерата Мадрид, една година помина пред да може да се организира втор настап во Рим. И покрај тоа што беше добро примен, Cassadó почнаа да се чувствуваат дека тоа е премногу долго, и наскоро почна бришење пасуси кои тој смета дека непотребно (обично делови каде што немаше ништо за солист да се направи). Кога дојде време да го објави резултатот, ова предизвика големи тешкотии за жена на композиторот, Викторија Камхи Родриго де, на кого падна задачата на реставрација.

Иако тоа е релативно рана работа, сегашноста Концертот претставува нешто на пауза со стилот на претходната гитара концерти, експериментирајќи со модерна хармонии што може да се чини суров на првото рочиште. Сепак, внимателниот слушател наскоро ќе биде шармираше, за Родриго отпад нема време за покажување на способности што го прават не е само еден од најистакнатите шпански композитори, но исто така и еден од најталентираните автори на дваесеттиот век.

© 1996, Геоф Куенинг

Франц Шуберт, 1797-1828. Симфонија бр 9 во C-мајор, Д 944, “ Велики. ” Завршено 1826 година, првиот настап 21 март, 1839, во Лајпциг. Постигна гол за 2 флејти, 2 oboes, 2 кларинети, 2 bassoons, 2 рогови, 2 труби, 3 тромбони, тимпани, и жици.

Можеби повеќе од било кој друг успешен композитор Франц Шуберт силно се бореше со една форма, симфонијата. Повеќето список каталози само девет симфонии од овој плоден уметник, но делови од уште четири преживее во различни варијанти – и еден од неговите најпознати, осмиот, е најдобро позната по своите добро заслужена титула на “ недовршени ”.

Во 1813 година, на 16-годишниот Шуберт заврши симфонија која сега се смета за неговиот прв (а повеќе младешки напор преживува само како фрагмент, еден од четирите споменати погоре). Тој продолжи со уште пет симфонии во текот на следните четири години, од кои сите беа составени релативно брзо и без видливи знаци на потешкотии или вториот мисли.

Но, по Шесто, проблеми во собата, почнувајќи со два неуспешни обиди на седмото место. Првиот се чини дека се напуштени речиси веднаш: по црти на отворањето на првиот движење, тој не остави простор за неговиот труд за да се заврши пред notating неколку идеи за тоа што би можело да биде финале и поставување настрана. Две години подоцна тој се обидел повторно, овој пат за производство на идеи за сите четири потребни движења, но повторно и запирање на кратко, дури и пополнет контури.

Третиот обид за Седмо, во 1821 година, беше спроведена на завршница на сорти, и Шуберт беше доволно задоволни да се напише италијанскиот збор казна (прави) на крајот. Сепак, и покрај тоа, поголемиот дел од секоја страница е празно, за композиторот запиша само мелодијата, очигледно со намера да се пополни во други инструменти подоцна. Без изгледи за изведба (ние знаеме само од две симфонии кои беа поставени за време на неговиот живот), Шуберт потоа во собата на работа настрана, и повторно преживува само како скица, иако структурно заврши една.

Ова нè носи до Осмо, “ Недовршени “” Со текот на времето Шуберт, симфонии беа традиционално составен во четири движења. Релативно тешки вовед, свечена бавно движење, lighthearted скерцо и соодветно величествен финале. Во случај на Осмата, само првите две движења постојат во целосна форма, како и скица на скерцо. Двете заврши движења се некои од најпознатите возвишеното музика некогаш напишана, што доведе до големо исчекување од страна на слушателот, а некои писатели се шпекулира дека причина Шуберт никогаш не го заврши работата беше дека тој се најде себеси во состојба да concoct финале достоен она што веќе го создал.

Од страна на време Шуберт неговиот обид Деветтата седум години поминаа без завршување на целосна симфонија. Повеќето од неговите последни обиди, што доведе до мртви краеви, и тој мора да почнаа да се прашуваат дали тој се уште има способноста да се напише големи оркестарски дела. Сепак, тој се обиде повторно, а во продукција на т.н. “ Велики “,” C Големи симфонија (прекар не е вредносен суд, туку повикување на големината на работа во споредба со Шестата, кој беше во истото копче ). Овој пат тој ја надмина блок, и произведува одличен работа која цврсто го етаблира како господар на формата. Но демонот на проектот ќе го прогонува до крајот, за неговата прерана смрт прекинат Десеттата иако тој повторно е во целосна контрола на својата креативност, а со тоа е тоа што на Деветтата стои како врв на оркестарски неговите достигнувања.

© 1997, Геоф Куенинг

Роберт Шуман, 1810-1856. Симфонија број 3 во Е дур, “ Рајнска, ”, Оп. 97. Завршено 1850 година, првиот настап февруари 6, 1851 година, во Дизелдорф, спроведена од страна на композиторот. Постигна гол за 2 флејти, 2 oboes, 2 кларинети, 2 bassoons, 4 рогови, 2 труби, 3 тромбони, тимпани, и жици.

Во 1841 година, по одреден број на години во кои тој се концентрира на пишување за пијано и за глас, Роберт Шуман го сврте по инсистирање на неговата сопруга Клара до поголеми размери работи како симфонии и концерти. Меѓутоа, други барања на своето време го расејува, и голем дел од овој ран работа останале незавршени до околу 1848 година, кога се вратил во симфонискиот форма и произведени со изобилство на работа.

Во 1850 година, Шуман беше назначен за главен диригент во Дизелдорф, со разбирање дека тој ќе се спроведе и во стандардниот репертоар на време и својот нов состав. Тој беше воодушевен од градот и Рајнската област, но не беше особено неуспешен како диригент, на крајот се бара да се откаже од подиумот. Тој продолжи да компонира со напуштат, но само две години подоцна почна покажува првите знаци на шизофренија, од кои тој никогаш нема да се опорави. Во 1856 година тој почина во азил, не може дури и да се зборува разбирливо.

Третата симфонија е, всушност, да трае со цел на составот, Шуман ја одложи објавувањето на вториот составен Четврто за неколку години. Прекарот “ Рајнска ” се однесува на Рајна долина околу Дизелдорф, и ракописот на бодови носи натпис (подоцна прецртани), што укажува дека делови од музиката одразуваат впечатоци на композиторот на Рајнската област. Со исклучок на четвртата движење (означени feierlich или “ свечена ”), музиката е толку весел и жив како што луѓето го отсликува, фаќањето на слушателот веднаш и никогаш не ги шарм.

© 1994, Геоф Куенинг

Ара Sevanian, 1915-2005. Симфонија бр 8 во А. Завршено 1993 година постигна гол за 2 секој флејти, oboes, кларинети, bassoons, рогови, и труби, тимпани, и жици. Ова е прв настап на работата.

Во 1987 година, на возраст од 72 години, Ара Sevanian конечно затворени ќе кафуле, долгогодишен Van Nuys обележје. Крајот на “ АРА е плескавици ” го привлече вниманието на големите локални програми за вести, но вистинската приказна е пропуштена во носталгија за популарна место за средба.

Иако на ерменско-композитор секогаш биле во можност да работат на музика кога помеѓу клиентите, потребата да заработуваат за живот мора да се зема својот данок. Секогаш плоден, во претходните 45 години тој го напишал повеќе од 150 дела кои тој смета дека вреди да се зачува. Но, во 10-те години по неговото пензионирање, тој произведува речиси 70 повеќе, речиси двојно зголемување на стапката на неговиот излез. Ниту, пак, овие мали парчиња: работи на деценијата вклучуваат гудачки квартети, апартмани, варијации, и три целосна должина симфонии. (Симфонии претставуваат нешто на изблик на свој начин: Sevanian има напишано шест од 1985 година)

Седмиот Sevanian и осмо симфонии свесно влијание на Бетовен; всушност, композиторот даде на Седмиот еден титл на “ Beethoveniana, ”, потсетувајќи сопствена Чајковски, “ Mozartiana. ” На Sevanian Осмиот е во истиот клуч (Главен) како Седмата Бетовен, и содржи бројни експлицитни референци на . работат Вагнер наречен “ апотеоза на танцот “Кога се разговара за неговата последните две симфонии, Sevanian имале овие коментари:

симфонии на Бетовен се како библија за мене. Човекот се постигне таква перфекција. Во двата од овие работи, јас се обидов да си ја задржам мојата креативни независност, мојот национален карактер, со Бетовен покрај мене. Да го ставам маска на Бетовен на моето лице, но јас сум пее својата песна. Бетовен, Моцарт, Менделсон, и мојот пријател Хачатурјан, сите беа многу силни карактери, секогаш со свој стил. Ова е важно [за секој композитор], па се обидов да си ја задржам мојата независност. Тоа е до јавноста да се суди како што го направив.

© 1996, Геоф Куенинг

Дмитриј Шостакович, 1906-1975. Симфонија број 5 во г, Оп. 47. Завршено 1937 година, првиот настап Ное 21, 1937, во Ленинград. Постигна гол за 2 флејти, Пиколо, 2 oboes, 2 кларинети, Е рамен кларинет, 2 bassoons, contrabassoon, 4 рогови, 3 труби, 2 тромбони, бас тромбон, туба, 2 харфи, пијано, celesta, тимпани, примка тапани, бас тапан , кимвали, ксилофон glockenspiel, триаголник, и жици.

Кон крајот на 1930 година не беа добро време за Дмитри Шостакович. Неговото успешно опера, леди Магбет на Mtsensk, беше забранета по Сталин го видов во 1936 година и беше навреден од страна на прикриена својата критика на комунистичкиот режим. Ова не е мала работа; повеќето кои го привлече гневот на диктаторот набргу починал во логор. Шостакович беше посреќен, можеби затоа што на младиот композитор веќе се постигнати некои меѓународно признавање, но нападите во Правда го претвори во отпадник кој почна чувањето на куфер спакувани покрај неговиот кревет во случај тој се уапсени во текот на ноќта.

следната погрешен чекор Шостакович дојде со Четвртата симфонија, кој бил компонирањето во неговиот ум за некое време. И покрај ризикот од асоцирањето со “ непријател на народот “,” Ленинградската филхармонија се согласи да го премиера, но пробите отиде лошо, и ми стана јасно Шостакович дека извршувањето на таквите прогресивен работа ќе биде опасно да неговиот живот. Во декември 1936 година, тој најави дека тоа е неуспех и се повлече, наводно за да работат на финале. Четвртата беше изгубен за време на војната, и тоа беше само во 1961 година дека тоа беше реконструирана и ја имаше својата премиера токму како што е напишано.

Во меѓувреме, Русија беше во процес на она што подоцна ќе се вика “ Големиот терор. “” За некои свои причини Сталин измислени за атентат, а потоа одговори на тоа со ниво на репресијата ретко се гледа во историјата на човештвото. Откако тој изјави дека пет проценти од населението е “ несигурни, ” наредба излезе дека бројот на апсења мора да одговара на оваа бројка. Вината беше ирелевантно; тоа беше доволно да се заокружи десет или петнаесет илјади луѓе од даден градот и ги испраќам во Сибир. Историчарите се согласуваат за точниот број на руски државјани убиени во ова време (делумно поради тоа што голем број од смртните случаи биле подоцна се обвини начинот на Втората светска војна), но тоа не беше во милиони.

Во една таква атмосфера, и со жена и две мали деца да се грижите за, тоа е само природен дека Шостакович ќе се повлече главата назад во неговата школка и да се обидат да се молам на властите. И така тој знаел, барем на површината: преводот на Петтата симфонија е “ практични креативни Одговори Советскиот уметникот на само критики ”.

Но, во текот на историјата, уметници thumbed нивните носеви на властите, кои беа премногу густа да се види преку нивните пародија и сатира, и Шостакович беше не се разликува. Никој не треба да се погледне далеку под површината на Петтата да се откријат само што е ова “ практични ” верзија, всушност, содржи. Првиот движење започнува со крик на очај, трагичен жалат дека оди на за некое време пред одеднаш е прекината од маршот гуска повлекува предводена од тимпани тема две белешка, мотив кој музиколог Иан Мекдоналд нарекува “ Сталин тема . ” третиот движење е една од најпознатите очај парчиња музика некогаш напишани, споменик на Мајка Русија и сите оние кои се испратени во работнички логори. И на финалето, Шостакович, пишува во своите мемоари (прошверцувани надвор од Русија по смртта на композиторот):

Што ликување може да има? Мислам дека тоа е јасно на сите што се случува во петтата рунда. На радост е принуден, создадени под закана … Тоа е како некој да ве тепа со стап и рече “ Вашиот бизнис е радост, вашиот бизнис е радост, ”, и ќе се зголеми, несигурни, и да си одат маршираат надвор, мрморејќи, “ нашиот бизнис е радост, нашиот бизнис е радост. “” што вид на апотеоза е тоа? Треба да се биде комплетна oaf не го слушаме ова.
Петтиот беше многу успешна. Владата е задоволен што бунтовниците се knuckled под, додека рускиот на улица видов вистината зад фасадата. Западен слушатели, генерално не се свесни за она што се случува зад маска на Сталин, го зеде работа по номинална вредност, но се ‘уште се премногу задоволни од својата грандиозност и убавина. Симфонија стана најпопуларниот работа Шостакович и релативно неодамнешната откровение на нејзината вистинска смисла може да го подобри нашиот користењето на ова сведоштво за борба на еден човек да ги искажат маките на својот народ под брутален тиранин.

© 1997, Геоф Куенинг

Жан Сибелиус, 1865-1957. Симфонијата број 2 во D, Оп. 43. Завршено 1902 година, првиот настап 8 Март 1902 година, во Хелсинки. Постигна гол за 2 секој флејти, oboes, кларинети и bassoons, 4 рогови, 3 труби, 3 тромбони, туба, тимпани, и жици.

Можеби нема композитор е толку силно поврзана со национализмот како Жан Сибелиус, автор на интензивно патриотски Финска. Ниту, пак, ова здружение незаслужена, на Сибелиус беше длабоко инволвиран во борбата да се задржи Финска Слободен од владеењето на царска Русија. Повеќе од една од неговите дела беше забранета од страна на властите, бидејќи народот го најде тоа многу инспиративни. Дури и кога тој не е експлицитно протестираат угнетување, Сибелиус пишувале музика силно врзани во својата родна земја и своите традиции, примерот со дела како Kullervo, Lemminkäinen и темпераментен Карелија сопствена.

Сепак, спротивно на изјавите на некои писатели, национализам не ја отфрли животот на композиторот. Втората симфонија служи како пример: се развиени од главните теми за време на престојот во Италија, а неколку беа првично замислен за песна тон да се базира на Божествената комедија на Данте. Еден од најживописните мелодии е фагот дует, која се појавува во близина на почетокот на втората движење симфонија, кои биле наменети да ги претставуваат посета на смртта на замокот Дон Хуан. Сепак стилот на симфонијата е толку непогрешно Sibelian, па неизбежно фински, дека можеби на критичарите може да му биде простено за тоа гледаат како уште еден израз на неукротим природата на мал народ, кој инсистираше на одржување на својот идентитет во лицето на еден навидум бескрајните парада на потенцијални освојувачи.

Втората симфонија беше инстант успех со финскиот публика, и воспоставени Сибелиус како голем композитор. Но, слушателите надвор Скандинавија беа помалку приемчив, и тоа требаше малку време за тоа да стане од најпопуларните од неговите симфонии. Дури и во 1940 година, на пример, Вергилиј Томсон (кој и самиот е романтично-влијание композитор) го нарече “ вулгарен, само-снисходливо кон нас, и провинциски опише. ” Само-снисходливо тоа може да биде, а можеби и Питу, но тоа е тешко да се јавам на работа провинциски кога има толку темелно плени љубителите на музиката низ целиот свет за речиси еден век.

© 1997, Геоф Куенинг

Bedřich Сметана, 1824-1884. Увертирата на “ На замени Невестинското “(` `Prodaná Nevesta ”). Боемската композитор Bedřich Сметана се смета за татко на Чешка опера, мошне значајни остварување оглед на тоа дека Чешка не беше неговиот прв јазик. Роден под Хабсбуршката правило, момчето беше школуван прв во Германија, а дури подоцна во животот, тој беше во можност да студираат на наследното јазик. Всушност, кога тој работи на својот втор операта, тој користел германскиот превод на текст, како помош во составот.

На замени невеста, која повеќе во потполност може да биде насловен продадените невестата, се однесува комична приказна за љубовта и измама. Во кратки црти, Marenka е во љубов со Jenik, но нејзините родители планираат да ја венча на синот на Миха, локален сопственикот. Привилегија само на себе, Jenik е одамна загубениот син Micha е. Jenik овозможува на брачниот посредник да го откупат за висока цена, но ја наплаќа услов Marenka се венча “ Најстариот син на Миха. ” На брокер се согласува, мислејќи дека Micha има само еден син, но сите завршува среќно кога вистински наследство Jenik се открива.

Предлози на опери обично се напишани речиси како afterthoughts, но Сметана беше толку направени со приказната што тој го напишал жив увертира пред почетокот на било која друга работа за опера. Резултатот беше парче што се издвојува убаво, но се уште служи како прекрасен вовед во работата што го направија Сметана познат.

© 1999, Геоф Куенинг

Вилијам Грант Сепак, 1895-1978. Suite за виола и гудачки оркестар. Завршено 1943 година, првиот настап 25 март 1946, во Њујорк. Постигна гол за соло виола и жици.

Во аh, Вилијам Грант уште се пресели во Лос Анџелес, во надеж да ја постигнат веќе својата успешна кариера во однос на составот. Набрзо по неговото пристигнување,

Составен за Луис и Анет Кауфман (еден живот, стр 139;. Фузија, стр 194-195.). Пијано верзија ја имаше својата премиера на 15-ти март 1944 година, во Бостон. Најдобри информации во топење, стр. 70.

© 1997, Геоф Куенинг

Рихард Штраус, 1864-1949. Серенада за 13 дувачки инструменти, Оп. 7. Завршено 1881 или 1882 година, првиот настап 27 ноември, 1882 година, во Дрезден. Постигна гол за 2 флејти, 2 oboes, 2 кларинети, 4 рогови, 2 bassoons, contrabassoon или туба, и (во последните две мерки) контрабас.

Во 1863 година рог играч Франц Штраус, ја загубиле својата прва жена и две деца во епидемијата на колера на 1853 година, повторно се оженил Josepha Pschorr, ќерка на Минхен пивара добро to-do. Само една година подоцна Josepha родила син, Ричард. Таткото беше строг и нефлексибилни човек кој омразен на “ модерни “” дела на Вагнер, но кој поседува толку високо чувство за чест што тој беше познат по неговите настапи на музиката на Вагнер. Но, тој исто така беше грижлив родител, и ги охрабри својот син да учи музика, со почетокот на пијано и виолина.

На 6, Ричард напиша Божикна песна и полкови, проследено со голем број на други работи, кои иако незрели, им овозможи на момчето да вежбаат вештината на составот. На 8, тој бил “ преплашени ” од својата прва опера, Дер Freischütz Вебер. На возраст од 12, тој имаше напишано фестивал март, во кој на крајот беше објавена како опус 1 — но само затоа што цената на печатење е субвенционирана од страна на богатите чичко Георг Pschorr. Уште од времето кога тој имаше напишано втората publishable работа, тој се напредни доволно дека нема субвенции беше потребно.

Ветрот Серенада е исто така еден младешки работа, како што се гледа од бројот на дело. Тоа беше составен во времето Штраус уписот на Универзитетот во Минхен, иако точниот датум е неизвесна. Одликувајќи весел теми и релативно едноставна форма, тоа беше првиот Штраус парче доволно зрели за нормално работење (иако тоа го покажува својот недостаток на искуство во користењето на контрабас за поддршка на конечниот акорд, вметнување, кој е секогаш игнорирани во перформансите ). На работа, брзо го привлече вниманието на истакнатиот диригент Ханс фон Bülow, кои претходно ги отфрли Штраус способности ( “ Ние имаме тука за да не се занимаваат со гениј, но со таков талент што доаѓа десет денар, ”, тој го шмркна кога беа прикажани дела на ОП. 3 пијано). Bülow не само извршува работата, но е охрабрен младиот композитор во неговите напори, го отпочнување на кариера, кој ќе го носи знамето на 19-от век романтизмот во текот на првата половина на дваесеттиот век.

© 1995, Геоф Куенинг

Игор Стравински, 1882-1970. Суита од балетот Pulcinella, по теми од Џовани Батиста Перголези (1710-1736). Балет заврши 1920 година, првиот настап Мај 15, 1920, во Париз; сопствена заврши 1922 година, ревидиран 1949 година, првиот настап декември 22, 1922, во Бостон. Постигна гол за камерен оркестар од 2 секое флејти, oboes, bassoons и рогови, 1 труба, тромбон 1, гудачки квинтет, и жици.

Во пролетта на 1919 година, Серж Дјагилев, импресарио кои соработувале со Стравински на такви успеси како Посветување на пролетта, Firebird и Петрушка, и предложи на композиторот дека напише балет врз основа на некои музика Перголези е. На прв Стравински се спротивставија, а не се особено драг на Перголези знаеше (пред се на Stabat Матер), но Диагилев го покажа некои малку познати ракописи кои се фатени фенси, и така тој се согласи со идејата.

Pulcinella беше важна пресвртница во кариерата на Стравински, за тоа го доведе во т.н. “ нео-класична ” стил кој требаше да доминира излез неговата и во следните неколку децении. За разлика од неговите претходни балети, кој се карактеризира со големи оркестри, и иновативни ритми, Pulcinella е релативно едноставна и редок, постигна 33 комора играчи и 3 вокални солисти, и се држат најмногу ги временските потписи, кои биле користени два века порано. Но, и покрај тоа што Стравински користи мелодии Перголези и бас линии со мала промена, тој успеа да го стави своето непогрешлив печат на балетот преку неговата употреба на модерна хармонии и повремени ритмичка модификации.

Во балетот, Pulcinella, традиционален херој на неаполски commedia dell’arte, го освоиле срцата на сите локални девојки. Разјарен нивните свршеници заговор да го убијат, но тој ги outwits и замени за двојно, кој фингира смрт и потоа се “ оживеа ” од страна на маскирани Pulcinella. Кога младите мажи се врати, Pulcinella организира бракови за секого, и се спојува Pimpinella за да се произведе потребните среќен крај.

И покрај ситни кавги меѓу различните принципи, првиот производство (со костимите и сценографијата на Пикасо) беше голем успех. Кога Стравински подоцна се балетот во концертна сопствена, тој избра 11 движења од оригиналниот 18, на местото на вокално инструментален соло со пасуси. Тоа е во оваа форма, како и во транскрипции на Стравински за виолина или “виолончело со пијано (под наслов Suite Italienne), за делото кое го има постигнато својата најголема популарност.

© 1995, Геоф Куенинг

Петар Илич Чајковски, 1840-1893. Концертот број 1 во Б рамен Мала за пијано и оркестар, Оп. 23. Завршено 21 февруари 1875 година, првиот настап 25 октомври 1875 година, во Бостон. Постигна гол за соло пијано, 2 флејти, 2 oboes, 2 кларинети, 2 bassoons, 4 рогови, 2 труби, 3 тромбони, тимпани, и жици.

Приказната за пијано на Чајковски, и неговото одбивање од страна на оригиналните dedicatee, Николај Рубинштајн, е еден од најпознатите во историјата на музиката. Чајковски почнал да се постигне некои озлогласеност и успех, а во крајот на 1874 се одлучи да се обиде својата среќа во форма која Моцарт и Бетовен беше искористена за да се прикаже своите таленти толку добро. Изгледаше како да имаат тешкотии, пишува дека тој мораше да “ чекан пасуси … од мојот мозок ” и ” оди нагоре и надолу по собата со часови ” пред идеи дојде. Но, работата е завршена наскоро во прелиминарните форма, а во почетокот на јануари 1875 година, тој побара Рубинштајн да се слуша како играше низ него во Петербург конзерваториум. Предвидената солист не беше задоволен. Три години подоцна, Чајковски опиша реакцијата на друг човек:

Ниту еден збор, беше речено – апсолутна тишина … станав од пијано. “ Па? “, Реков. Потоа порој пукна од Рубинштајн … Мојот концерт е безвредна и репродуцира … лош, тривијални, вулгарно. Само една или две страници имаше било која вредност.
На крајот, Рубинштајн, рече дека ќе се игра ако концерт на Чајковски да ја промените да ги исполни спецификациите својата. Но, композитор, одговори, “ Јас не го менува белешка. Јас ќе ја објавите како што стои. “” Во гнев, тој ја преминал име Рубинштајн надвор насловната страница и повторно посветен на работата на Ханс фон Bülow, што неодамна се откриени работа на Чајковски. (Тоа беше исто von Bülow кој се оженил со ќерката Лист, само да и ‘го напуштат за зголемувањето на ѕвезда на Рихард Вагнер.)

Von Bülow страдал од ниту еден од резервации Рубинштајн, наместо да се јавите на работа “ возвишени, силна, и оригиналот. ” Од тој планира американска турнеја во есента на 1875 година, тој се понуди да ги научат Концерт за тоа патување. На првиот настап се одржа во Бостон, по што следи кратко време по еден во Њујорк. Во двата града работата е неверојатно популарна со публика, кои побараа повторување на финалето, иако критичарите беа помалку ентузијасти. Но, како што е често случај, музиката ја доби битката против негативен песимистите, па дури и Рубинштајн конечно призна својата грешка, научив концерт, и изврши многу пати.

© 1997, Геоф Куенинг

Петар Илич Чајковски, 1840-1893. Серенада во C мајор за гудачки оркестар, Op.48. Завршено ноември, 1880 година, првиот настап 30 Октомври 1881 година, во Санкт Петербург. Постигна гол за гудачки оркестар. А забелешка во резултатот опоменува: “ Колку е поголем гудачки оркестар, толку подобро ќе се исполни желбата на композиторот. ”
Петар Чајковски, 1880 година беше значајна година во голем број на начини. Неговата сопруга, откако конечно е прифатено дека нивниот брак е шарлатан, напишал да бара развод, што прикриени закани да го изложи, ако тој не е во согласност спокојно. Првиот концерт за пијано на почетокот беше да го донесе меѓународно признавање. Сепак, тој се уште беше несигурен во врска со неговите способности. За време на посетата својата заштитничка, Надежда фон Meck, тој ги разгледа својата библиотека на неговите композиции и извика на својот брат ” како несовршени сето тоа се уште е, како слаб, како uncraftsmanlike! ” Занимава со двете на квалитетот на својата работа и со многу печатарски грешки тој го најде, тој вети дека ќе престане да пишува музика за време, така што тој може да се посвети на исправување на она што веќе е направено.

Музата нема да се одморат, сепак, и во рок од неколку месеци Чајковски беше повторно пишување на нови дела. Три важни оние резултираше: жив капричо Italien, драмскиот и некогаш популарната 1812 увертира, и сегашната. Првите две се подобро познати на модерната публика, но тоа е третото заробени самиот композитор. комплетирање и покрај постојаните главоболки, му напишал на својот издавач дека имал “ неочекувано “” составена серенада, и додаде, “ Дали поради тоа е мојата најнова дете или поради тоа што во реалноста не е така лошо, јас сум ужасно во љубов со ова серенада, и може да едвај чекаат да го претстави на светот. ”

Како што е неговата волја, но светот не соработуваат. Тоа беше речиси пред една година тој беше во можност да се слушне на делото. Премиерата беше голем успех, сепак, со публиката бара повторување на валцер. Работата може да биде помалку познати од 1812 година, но го остава на слушателот со не се сомневам дека Чајковски беше само како талентиран кога пишувате интимен дел, како и со темпераментен еден.

© 2000, Геоф Куенинг

Петар Илич Чајковски, 1840-1893. Суита од балетот Оревокршачка, Оп. 71а. Завршено 1892 година, првиот настап на 19 март во Санкт Петербург. Постигна гол за 3 флејти (3-ти удвојување пиколо, 2 oboes, англиски рог, 2 кларинети, бас кларинет, 2 bassoons, 4 рогови, 2 труби, 2 тромбони, бас тромбон, туба, чинели, триаголник, дајрето, glockenspiel, тимпани, харфа, celesta и жици.

Тоа може да дојде како изненадување за многумина што да научат дека Петар (Питер) Чајковски, еден од најсаканите композитори на сите времиња, почна својот живот во една од најмалку гламурозен занимања познати на човекот: службеник во владата. Историјата не е запишано неговата точна задачи, сепак, за човекот е толку рамнодушен кон неговата работа што тој подоцна заборавив точно што е тоа што тој го направи! Младиот официјално го продолжи неговиот младешки интерес за музика, но пријавено на 21 годишна возраст кои “ дури и ако јас всушност имале талент, таа не може да бидат развиени сега. “” Тоа е навистина среќен за потомство дека тој испадна да биде во ред! Само една година откако тој ги напишал овие зборови, тој стана разочарани од “ неправеден ” промоција над главата и влезе во новата конзерваториум на руското општество за музичка уметност.

Триесетина години подоцна, во декември 1891 година, сега веќе успешни композиторот нова опера Пике Dame (Кралицата на пик) толку импресиониран Управата на Кралскиот Опера дека тој бил веднаш даде комисијата да пишувам и на еден чин опера и балет следната сезона. Балетот беше да се базира на E.T.A. Приказната Хофман “ Оревокршачка и глушец кралот “,” избор кој Чајковски мразел (предмет бил принуден на него). Сепак, тој почна со работа во почетокот на 1892 година, пред заминување на успешна турнеја во САД, и да се заврши музика подоцна тоа лето, иако тој тоа disparaged како “ бескрајно посиромашни од Заспаната убавица “,” пресуда со која следните ballet- посетителите имаат најарно и постојано се согласува.

Интересна фуснота за резултат од Оревокршачка е познатиот употреба на celesta во Танцот на шеќер слива бајка. Чајковски откриле ново-измислени инструмент само пред да замине за САД, и веднаш беше воодушевена од својата “ божествено убава тон. ” Тој договорено да имаат еден испратени во Русија тајно, бидејќи тој бил “ плаши Римски-Корсаков и Глазунов може да се одржи на тоа и да го користите необичен сила пред мене. ” Тој не треба да се загрижени, иако, иако многу други композитори имаат напишано за уникатно убава креација Огист Mustel, ниту една не бил во можност да се дуплираат магија постигнува со тоа повеќето страсна на сите композитори во најпопуларните работа.

© 1995, Геоф Куенинг

Петар Илич Чајковски, 1840-1893. Симфонијата број 2, Оп. 17, “ Малку руски ”. Завршено октомври 1872 година, првиот настап 7 февруари, 1873 година, во Москва. Постигна гол за 2 флејти, 2 oboes, 2 кларинети, 2 bassoons, 4 рогови, 2 труби, 3 тромбони, туба, тимпани, чинели, бас тапан, там-там, и жици.

Во 1872 година, млада кариера Чајковски како композитор се чинеше дека престанаа речиси пред тоа започна. Иако неколку парчиња, особено увертирата Ромео и Јулија, беше умерено успешен, повеќето од неговите дела се соочиле со остри критики. Тој почна да работи на својот втор симфонија во својот летен одмор, но не се постигне многу во прв до неговите патувања го доведе до Usovo, каде што, освежени и обновени, тој направи огромен напредок пред да се врати во Москва на есен да се заврши работата.

Премиерата на симфонијата беше голем успех, и критичар Laroche, кој некогаш бил добар пријател, но неодамна го нападнал Чајковски бесмилосно, пишува одобрување на работата на “ добро мотивирани и уметнички дотраена контрасти. ” А втората Претставата беше набрзина за Санкт Петербург, и Чајковски конечно се најде на препознавање тој го заслужи тоа. (Симфонијата како што играше во модерните времиња има корист од дополнителни ревизии направени во 1879 и 1880 година)

Втората симфонија е наречен “ Малку руски ” поради неговата употреба на материјал составен од народни мелодии. (Ова не е ни прв ни последен пат дека Чајковски, секогаш тесно сојуз со својата култура, привлече на народна музика за своите дела.) Меѓу многубројните примери, весела мелодија првиот движење е врз основа на песната “ надолу од страна на Мајка Волга , ”, и една од двете теми финалето движење е од “ кран, ”, песна танц Чајковски слушнале испеана од страна на батлерот. Интересно е да се земе во предвид дека успехот на оваа шармантна симфонија зависи делумно на мирување (а веројатно и потсвеста) пеење на анонимен слуга!

© 1996, Геоф Куенинг

Брајан Thomasson, 1972-. Потрагата. Завршено 1997 година постигна гол за 2 секој флејти, oboes, кларинети, bassoons, рогови, и труби, 3 тромбони, тимпани, чинели, бас тапан, камбани там-там, харфа, пијано, и жици. Ова е прв настап на парче.

Некои креативни дела пролет речиси несопрени на ум на авторот, додека други страдаат долг и мачен бременоста. Вториот е случај со потрагата, кои беа потребни пет години за да заврши. Прерасна во вклопува и почнува, begrudged еден ден тука и една недела таму, прошарани со интервали од неколку месеци посветени на други проекти. Сепак, ова спорадични генеза има произведено свој шарм, поради Брајан Thomasson студирав составот во текот на истиот период, и музички развој на работа се одразува личен учење и раст на авторот. Од крик на отворањето на форумот, “ моли да го земе на несигурна мисија ” во зборови Thomasson е, потрагата ни носи на патување “ исполнета со авантура, испитувања, и страдањата ” – сигурно е соодветен опис на еден млад композитор во постојана борба за производство на неговата уметност.

© 1997, Геоф Куенинг

Рихард Вагнер, 1813-1883. Коралски и Финале од операта Die Meistersinger фон Нирнберг, наредени од страна на Макс Duetzmann. Завршено 1867 година, првиот настап Јуни 21, 1868, во Минхен. Извадокот може да се погоди за 2 флејти, Пиколо, 2 oboes, 2 кларинети, 2 bassoons, 4 рогови, 4 труби, 3 тромбони, туба, примка тапан, триаголник, кимвали, тимпани, и жици.

Пред имаше Бетовен или Моцарт или Бах, па дури и Грегоријанскиот скандирања на ренесансата, минестрели талкаа низ Европа забавни член на кралското семејство и обичните слично со своите песни на љубовта и хероизам. Кон крајот на средниот век, еснафи на “ мајстор пејачи “,” потекнува од традицијата на свирач, се појави во јужниот дел на Германија. За разлика од повеќето средновековна занаетчиството, Mastersinging не е професија, туку хоби за граѓаните од средната класа. Но, аматерите се нивните уметнички многу сериозно, рејтинг едни со други за нивно почитување на строгите правила на својот занает, па дури и држење повремени пеење конкуренција пред државјани.

Три века подоцна, во 1845 година, Рихард Вагнер, недостаток на финансиски ресурси, како и обично и очајна за една тема која ќе биде достапна за публика од неуспешниот Летечкиот Холанѓанец и тешко и unproduced Tannhäuser, наидов на опис на историјата на мајстор пејачи и правилата на еснаф нивните. Со драматичен инстинкт кој е можеби најголем дар, тој веднаш се забележува дека ова може да биде коренот на комедија, која може да го repopularize и го спаси од неговата финансиска состојба. Тој не губеа време во производство на првиот нацрт на сценарио за работа. Пред да може да ја продолжи понатаму, сепак, други настани интервенираше за да го одвлекува вниманието, вклучувајќи една мала револуција, која го принуди во егзил.

Шеснаесет години ќе поминат пред Вагнер може да се врати неговиот предмет. Во меѓувреме лутал низ Европа, пишува Тристан и Изолда и значителен дел од циклусот прстен, изгубил својата прва сопруга, Мина, се сретна Cosima von Bülow (ќерката на Франц Лист), кој ќе стане втората неговиот брачен другар, а најзаслужен за неверојатно како композитор и поет. Оваа последна веројатно беше од клучно значење за евентуалниот успех на Die Meistersinger, за однесувањето на целата работа виси на способноста на публиката да се верува во големината на climactic “ награда за песната ”. На крајот Вагнер се врати во Германија, ги охрабри и финансиран од страна на новиот младиот крал на Баварија ( “ Луд ” Лудвиг Втори, кој беше толку убави на музиката на Вагнер дека вклучени се мал опера театар, кога тој го изградил најпознатиот замок во светот во Нојшванштајн) , а заврши на составот.

Заплетот на операта вклучува млад витез, Валтер фон Stolzing, кој го посетува Нирнберг, паѓа во љубов со Ева, локален девојка, и (по многу компликации) влегува и победи на натпревар во кој наградата е нејзината рака. (Во анахрона удар за еднаквост, Ева е дадена можност за одбивање на победникот, ако тој не е по нејзин вкус, евентуалност што Валтер се разбира, не треба да се плашат.) Љубовниците се потпомогнати во нивната потрага по Ханс Сакс, вистински историски Слика кој го сочинуваат повеќе од 4275 Магистер песни.

Сегашната извадоци се извлечат од конечниот чин на операта. Првиот доаѓа пред почетокот на натпреварот, а потоа мајстор пејачи се соберат пред толпата. Ханс Сакс чекори до решавање на луѓето, но пред да може да зборува што пукна во песна во чест на најеминентните член на еснаф. По ова, слушаме финалето големата хор од опера, кога луѓето го поздравуваат мајстори и својата уметност. Заедно, овие два пасуси служат како примери за совршеното мајсторство на маса за пишување хорски Вагнер.

© 1994, Геоф Куенинг

Рихард Вагнер, 1813-1883. Увертирата на операта “ Tannhäuser. ” Завршено 1844 година, првиот настап на оперскиот 19 октомври 1845 година, во Дрезден. Постигна гол за 3 флејти, 2 oboes, 2 кларинети, 2 bassoons, 4 рогови, 3 труби, 3 тромбони, туба, чинели, триаголник, дајрето, тимпани, и жици.

Тоа е чудно е смешен, но, исто така, открива, дека Рихард Вагнер, озлогласен женкар кој е татко на три деца од страна на сопругата на друг маж, бил фасциниран од концептот на откуп преку жртвена љубов. Типичен пример за тоа може да се најде во релативно рана операта “ Tannhäuser, ”, во која насловниот лик е растргната меѓу грешните задоволства на божицата Венера и верските чистотата на едноставен Елизабет, која на крајот ќе победи Tannhäuser во типичен Wagnerian модата со давање на својот живот на повисока сила.

Можеби нема друг композитор во историјата предизвика такви страсни кавгата помеѓу неговите поддржувачи и противници, и приемот дадена “ Tannhäuser ” служи како минијатурни преглед на таквите конфликти. Првиот настап беше нападнат од критичарите, но од страна на трети куќата се исполни и луѓето од Дрезден поздрави работата диво. Сепак, другите градови што соодветствуваше мешан рецепција, а операта била финансиска катастрофа за младиот композитор. Во ехо на современи Холивуд, еден набљудувач изјави дека операта најверојатно ќе го наследи имаше композитор пристапила на популарната вкус за среќен крај.

Увертирата се врши одделно како почетокот 1846 година, повикувајќи се предвидливи Скорбут од конзервативните критичари ( “ крволочен, ”, ” непријатно, ”, ” досадни, ” и ” вообичаена работа “беа некои од термините кои се применуваат). Да го нарекуваме овие зборови тежок е потценување, и сигурно се оправдани, бидејќи нагло коралски што завршува на кратко парче е еден од најпознатите величествен парчиња музика некогаш напишани.

© 1998, Геоф Куенинг

Роџер Ален Вард, 1963-. Концертот за харфа и оркестар, посветен на Сузан Ален и Симфонија на кањони. Завршен во декември 1997 година Ова е прва изведба на делото. Постигна гол за 2 секој флејти, oboes, кларинети, bassoons, рогови, труби и тромбони, плус тимпани, бас тапан, 3 Том-Томс, триаголник, да се одржи кимвал, несреќата кимвал, guiro, ксилофон, дрво блок, пијано, соло харфа, и жици.

Во 1996 година, Роџер Ален одделение, кои имаат завршено додипломски неговата работа на Универзитетот во Оклахома со заработка речиси безброј низа на компонирање награди, запишани на Калифорнискиот институт за уметност да ги извршуваат Мајстор за ликовни уметности степен. Тој наскоро ќе го погоди пријателство со Сузан Ален, кој предава харфа во CalArts.

Со среќа случајно, тоа беше во летниот период, кој симфонија на диригентот кањони Роберт Lawson праша г-ѓа Ален да настапи со оркестарот. Тој сакаше да одберете програма на американската музика, па така тој ја праша да изберете работа од страна на американски композитор. Сепак, на харфа е премногу тежок инструмент да се пишува за, особено во поставување на концерт, па избор неа беа ограничени главно на парчиња од Валтер клип и Вергилиј Томсон.

Во август, Роџер Ален одделение донесе снимање на работата на клипот до дома г-ѓа Ален, така што таа може да ја слушам со копија од резултатот и да одлучи дали да ја одиграм. “ Јас бев всушност се обидува да ја убеди да се игра Томсон, кој ми се допаѓа сосема малку, ”, вели одделение, но околностите (и една чаша вино) интервенираше за да се произведе многу различни резултати. “ Ние се слуша на снимање на внатрешен двор, гледајќи во светлата на Санта Clarita, и Сузи коментира дека `Оваа музика е сосема во ред за Калифорнија. Тоа е премногу напнат за нас; Тоа е едно парче Бостон. Сакам да си играм нешто со вкус Калифорнија. Во импулсивен момент, јас понуди да ја напише парче себе. `Тоа е одлично! вели Сузи. `Тоа ќе биде совршен за Санта Clarita. Па напишав парче за неа. ”

Од неговата музика, одделение вели: “ Јас не мора да се грижите за теренот поставува или чудни нотација или на било кој фанки работи. Јас пишувам тонски музика. Кога имам напишано … [другите] вид на музика, тоа не звучи како мене и моето срце само [не] во него. Сум ја избрал да се комбинираат две Американски музички традиции: вид на пастирска … традицијата на луѓе како што се Томсон, Копланд, итн, и Минималистички-базирани музика [како на] Рајх, стакло, [и] Адамс. Ми се чинеше дека тие [стилови] имаа за цел да се комбинираат … и така јас изнесени да го стори тоа пред околу 10 години. ”

Побарано да се опише сегашната работа, старателот, забележа едноставно, “ Сузи е голем нахален Гал, па ја напиша нахален парче. “” Патем, на отворањето на третиот движење, во која г-ѓа Ален тапани од моделот на дрвени soundbox на харфа, беше нејзината идеја, измислен во одговор на желбата одделението за конечниот движење да имаат основна ритмичка возење. Заедно, одделение и Ален го создаваат одличен пример за вид на композиторот-изведувач соработка која секогаш има управувано на развој на музиката, а тоа ќе ни носат во 21 век без заборавање на традицијата која ни донесе до оваа точка.

© 1998, Геоф Куенинг

Карл Марија фон Вебер, 1786-1826. Увертирата на операта “ Дер Freischütz. ” Завршено 1820 година, првиот настап 18 Јуни 1821, во Берлин. Постигна гол за 2 флејти, 2 oboes, 2 кларинети, 2 bassoons, 4 рогови, 2 труби, 3 тромбони, тимпани, и жици.

Иако денес тој се смета за релативно мали композитор Карл Марија фон Вебер некогаш беше успешна и популарна, и имаше значително влијание врз подоцна германските композитори, меѓу кои и две од нив да се слушне на денешниот концерт. Роден во семејство на музичари оствари, Вебер покажа почетокот на ветување, но не успеа да одговори на туторство и надежи за производство на друг Моцарт на неговиот татко. Сепак, неколку години подоцна посоодветно учител е пронајден и Вебер почна да цвета. Тој беше среќни да живеат во еден музички бујна ера, а потоа зеде упатство од некои од неговите најпознати современици, вклучувајќи ги и Мајкл и Франц Јозеф Хајдн. Како и многу други во негово време, тој почна да им дава концерти и да пишува музика уште од рана возраст, а беше назначен капелмајстор (приближно, музички директор) на театарот во Breslau, кога имал само 17 години.

Голем број на позиции следи во текот на годините, додека во 1817 година Вебер доби својот последен состанок, тоа на капелмајстор на Дрезденската опера, а наскоро почна да работи на својот седми опера, “ Дер Freischütz ” (буквално, “ На Freeshooter ” ), приказна за ловец кој договори со ѓаволот за да се здобијат со снабдување на куршуми кои можат да бидат водени на својата цел за волја на стрелец е. Иако либретото е поетски слаб, музиката на операта е постојано инвентивни и ангажирање, и работата веднаш постигна успех во цела Германија. Увертирата (составен по остатокот од операта е завршена, како што беше заеднички) ткае заедно со некои од најважните теми на работа во воодушевувачки вовед во акција и да мелодични таленти Вебер.

© 1995, Геоф Куенинг

Џузепе Верди, во 1813-1901. Увертира во Ла позориште судбината. Завршено 1861, ревидиран 1869 година, првиот настап на оперскиот 10 Ноември 1862 година, во Санкт Петербург. датуми увертирата од Ревизијата 1869 година и се бодува за флејта, Пиколо, 2 oboes, 2 кларинети, 2 bassoons, 4 рогови, 2 труби, 3 тромбони, cimbasso (еден вид на туба), тимпани, бас тапан, и жици.

Ла позориште на судбината ( “ Силата на судбината ”) за прв пат “ странски Верди ” комисија во речиси 25 години. Кратко време по завршувањето, тој отпатува во Санкт Петербург да врши надзор на премиерата, само за да открие дека главната пејачка се разболува, и дека немало музичари способен заменува. Го убеди раководството да се замени со поедноставна работа, и да се одложи премиерата до следната есен. Ова е веројатно една мудра одлука, бидејќи иако операта беше критикуван малку кога конечно се појави, сепак беше изведена во Европа.

Но, и покрај нејзиниот успех, работата имале сериозни проблеми, особено во приказната, која многумина најде премногу крвави дури и за традиционално убиствена оперска сцена. Судбината, олицетворена клетва врз главни протагонисти, на крајот доведе до смрт на речиси сите кои се вклучени во операта. Верди отстранети некои од смртните случаи по првиот настап, но овој брз лек не беше доволно за да се задоволат или него или од публиката, и Верди наскоро се повлече од работата од италијанскиот перформанси.

Седум години подоцна, на барање на издавачот, Верди се врати во Ла Форца, во обид да се најде она што тој го нарекува “ таа проклета крај. “” Овој пат тој беше успешна, редизајнирање на четири дела, така што секој од нив имаше многу различни карактер . Проклетството остана, како и смртта, но општ впечаток на операта беше далеку помалку депресивно. Новата верзија беше премиерно во Ла Скала на 20 февруари, 1869 година, во голема слава. Тоа е 1869 верзија, која ги преживеа за да стане популарен кај публиката ширум светот.

Увертирата, кој беше напишан како дел од ревизијата, се фокусира првенствено на две теми: брзаат ” судбина ” мотив прв пат слушнав во низите и побавно, повеќе лирски мелодија земени од молитва пее во вториот чин од страна на осудени сопран. Иако парче е типичен за својот жанр во се, а набрзина фрлени заедно, тоа преплетува своите идеи пријатно и претставува соодветен вовед во една страсна опера.

© 1997, Геоф Куенинг

Log in with your credentials

Forgot your details?

ARE YOU READY? GET IT NOW!
Increase more than 500% of Email Subscribers!
Your Information will never be shared with any third party.
Get a Free Quote Now
Success! Your request has been submitted.
Get a Quick Quote
Get a Free Quote Now
Success! Your request has been submitted.
Get a new copy of this list each time it's updated.
(Don't worry, we hate spam too)
We'll Let You Know When We Update This List.
Wait! We update this list regularly.
Subscribe to get notified when we add new shippers.
Don't worry, we hate spam too.
Get a new copy of this list each time it's updated.
(Don't worry, we hate spam too)
We'll Let You Know When We Update This List.
GET THE LATEST UPDATES
Wait a minute! Before you go, complete this form so we can let you know when this list is updated.
Don't worry, we hate spam too.
Success! We'll Let You Know When We Update This List.
Get Notified When This List Is Updated
Wait a minute! We update this list on a regular basis. Do you want to get notified as soon as changes are made?
* Don't worry, we hate spam too.
Form submitted, we'll let you know.